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地獄少女は2クールを含む4期までが制作されている結構長いアニメだ

だいぶ前に3期まで見たあと、しばらく中断していたが、最近、4期を見たので一応、すべて見たということになった

ストーリーは、ものすごくざっくり言うと、嫌な奴が地獄に落ちる。みたいな感じだが、

ただ、そこに、地獄に落とした側も地獄に落ちるという条件が付いてくる

それも、例えば、勘違いで地獄に落としたり、落とされたり、

いろいろ趣向を凝らし、面白い話に仕上がっている

後半に行くにつれてカオスになっていく作風も面白かったし、

後半に行くにつれて強まってくる胸糞感も良かった

本当は良い人なのに、勘違いから地獄に落とされようとする人も、表情一つ変えることなくあいは地獄に運んでいく

見る人はおそらく、途中から、閻魔あいたちが本当の悪者なのでは？　というような気持になるだろう

僕もそう思った。

無実の人を永遠の地獄に閉じ込めるのはあまりにも残酷だと

ただ、それに対し、最終回付近で地獄少女なりの答えが出てきた

地獄少女という役職そのものが罪だ

まるで、絞首による死刑執行時。床を下すためのボタンを押す刑務官のように、

いや、刑務官は何も罪を犯したわけではないので正確な例えではないかもしれないが

僕が言いたいのは、人に罰を与える行為自体がすでに罰だという構造だ

床を下すボタンはなぜ複数個あるのか、

それは、一人でそのボタンを押したら、そのボタンを押した人が殺人者みたいな風になってしまうからだ

だから、複数のボタンが存在し、どのボタンによって床が下りたか、死刑執行をしたのかわからないようになっている

こういうことをしてまで、罰を下す人の精神状態に配慮している

その点、地獄少女の閻魔あいは、すべてを知り、自分の中でこの人は悪人ではないと判断してしまうような人も、ひとしく地獄に送り出している

それ自体が罪だ

人を呪わば穴二つというキーワードがあるが、

それをシステムとして忠実に運用するためにある地獄少女もまた、罪を償う罪人で、地獄に流すという行為自体も罰になっている

この構造はテクニカルだと思った

二重の意味で、人を呪わば穴二つだ。

ストーリー自体も、割と単発な話が多く、見やすい印象だったし、

現代に実際に存在する社会問題を取り扱った回も多く、楽しめた

あとは、地獄少女のタイトルロゴは個人的に、全アニメの中でもトップレベルにかっこいいものだと思う

OPEDも良い曲が多かったし、

ちょっと長いアニメだが、面白い作品だった

面白い映画だった

炎628をそのままマイルドにしたような映画だった

動物について

異端の鳥にも動物が犠牲になる展開がいくつかある

僕としては、戦争映画で平和を訴えるくせして、動物は身勝手に殺すのは言っていることが矛盾している気がする

なので、動物を殺して撮影する映画は真の意味での戦争映画とは呼べない気がする

その点、炎628では動物を殺して撮影していたので、完璧な作品とは言い難かった

が、この異端の鳥は、動物が死んでしまう展開はあるものの、おそらく、本当に殺してはいなさそうだった

逆さづりにされるヤギはかわいそうだったが、さすがにそれ以上のことはしていないと思う

この映画では動物がかわいそうな感じに見えるが、実際はある程度配慮されて撮影されていた……と信じたい

タイトルにもなっている鳥だって、VFXっぽかった

登場人物に重ならないように鳥の群れが飛んでいたのはおそらく、マスクを切るのが面倒だから、人にかぶらないように鳥が飛んでいる感じになったのだろう

冒頭で焼き殺されるフェレット？も、図ったようにカメラアングルの中を走り回り息絶えていた

本当にフェレットが逃げるのであればどっかに一直線に逃げるだろうからあのシーンもたぶんVFXだ

この作品は白黒でものすごいローテクな雰囲気を醸し出してはいるが、随所に最新のデジタル映像技術が見え隠れする感じだった

なので、動物に優しい環境で撮影されたのだろう、と信じている

炎628よりは見やすい映画

衝撃的なシーンはあるものの、動物に優しい映画なので、見やすい映画になっていた

一人の少年がなぜか辺鄙な村にいて、あるきっかけで家を離れ、一人で彷徨うことになる

なぜその少年はそこにいるのか、果たして少年は生き残れるのか

という、一つのテーマに沿って物語が展開する

その展開というのも、見ごたえがあるものだった

戦争に疲弊して荒んだ人々の、その十人十色な荒み様をオムニバス形式で見せていく

その構図自体は炎628と全く同じで、一人の少年がどうなるのかという展開と同時に、戦争の悲惨さを見せている

炎628と違うのは、動物を殺していないところや、本物の遺体の映像が出てこないところだ

その点、この作品はあくまで作り物の範疇で、強烈なインパクトを与えている

構成も、極度に挑戦的な展開もないし、カメラアングルもエンタメ映画の系譜を踏んでいる気がした。

個人的に気になったところ

途中、線路を歩くシーンが出てきたが、あの線路がなんだか現代の新しい線路に見えてしまったのが気になった

おそらく犬釘が新しいものに見えたからだろう

照り面がすり減っていないレールになっていたという点はリアルで良かった。

人気のないところで主人公を見逃すという、展開の布石となる良いディテールだ

ただ、そこまで凝るのだったら、犬釘ももっと古い雰囲気の、本当に釘みたいな粗末な物になっていたら、より没入できた気がする

被害妄想、幻覚、幻聴。

そういう闇を抱えた登場人物たちがコミカルに描かれる

この後詳しく書くが、そういった精神的な症状に関して、驚くほど真正面から描いている

身の回り全てが自分を馬鹿にしているように妄想してしまう様子や、

外出することを拒絶するあまり、理由を探して外出しない自分を正当化してしまう様子。

嘘をついて目先の問題を先送りにしてしまう様子など、

実際に存在する精神的な問題を脚色することなく、キャラクターにしていた

おまけに、引きこもり、依存関係、マルチ商法、自殺など、

とにかく、現代社会に溢れる闇をとことん盛り込んだような展開がとても面白い

僕はそういう話題については当事者でもあるし、興味も尽きない

現代社会における代表的な闇をそのまま投影したような登場人物たちが、これまた現代社会における代表的な闇を体験していくような、

面白すぎるアニメだった

佐藤くんの性格

佐藤くんの性格がとてもリアルだ

ぱっと見アホで、たまにクズな一面も見せる

すぐに嘘をつき、そのしわ寄せに苦しむ

幻聴や幻覚に支配され、被害妄想に苦しむ

そして、陰謀が自分を陥れていると妄想している

精神病の症例のみで作り出されたようなキャラ設定だ

そして、それをコメディー調に見せているこのアニメはとてもすごい

ぼざろにも同じ魅力を感じて衝撃を受けた

ぼざろのぼっちちゃんは、人づきあいが苦手な陰キャ特有の、すぐにテンパってしまう挙動をそのままコミカルに描くことで、これまでにない本物っぽさを見せている

面と向かって面白いことは言わないけど、頭の中ではいつも面白い受け答えをして、一人で永遠に脳内でしゃべり続け、楽しんでいるような人間を、キャラクターにしたのがぼっちちゃんだ

そして、この、N・H・Kにようこそ!の佐藤くんも、同じような雰囲気が感じられた

いや、このアニメの場合は登場人物のほとんどがそんな感じだ

岬ちゃんなどに関してはまたこの後書くが、

この、妄想性障害や幻覚をそのままコメディーにしてしまうという豪快な切り口がボザロよりもずっと前に行われていたことが面白い

ちなみにだが、

僕がこのアニメについて共感するのには訳があり、

大学時代。仲の良い友達がまさに、佐藤くんみたいな感じだった

彼の場合はNHKによる陰謀ではなく、通信会社大手のNTTが自分を監視しているという妄想に取りつかれていたようで、

確か、彼が病んでいたころ、僕と彼で学科の成績下位を独占していた頃、

NTTドコモの社員兼教授みたいな人が講師をしている授業があった

それを受けてから半年くらい。「俺はNTTに監視されている」みたいな良くわからないことをしきりに言っていた時期があった

その後彼は僕と同じタイミングで留年し、別の大学に編入していった

N・H・Kにようこそ!の佐藤くんを見ていると、たまに、編入していった彼のことを思い出す

その人も、純粋ないい人で、親しみやすく、愛すべきアホみたいな感じだったが、

たまに、ズルいことをする

見え見えの嘘をつき、バレていないとでも思っているのかわからないが、指摘する理由もないので、僕はそれ以上追及はしない

あとになってしわ寄せがきて、本人もつらくなっているのかもしれない

勝手ながら、僕にもその気持ちはわかる

小さな嘘をついた後は罪悪感を抱くし、その嘘を本当にするために過度に頑張りすぎて、体を壊す

僕の場合は嘘をつくのが癖になっているというわけでもないので、そこまで大きな問題になってはいないが、

佐藤くんのように、無意識のうちに嘘を嘘で固めてしまう人間もいるだろう

そういう人には見覚えがあり、そこに妙なリアリティがあった

今思えば、僕も、彼に対して、岬ちゃんみたいに、人を見下すのも手だというアドバイスをした気がする

大学の食堂で、地方の実家に帰って同級生と自分を比べてみろ。東京の大学に行っているだけですごい奴だぞ。と言うアドバイスをしたのを覚えている。

東京での水準で自分を測ってはいけないと、東京は全国の猛者たちが集うハイレベルな場所だからだと、

つまり、遠回しに、他人を見下して自分を保て、というアドバイスをした

それは、岬ちゃんが佐藤くんにしたアドバイスに似ている

佐藤くんというキャラ、そして、僕がしたアドバイス。

このアニメにここまで僕の人生と共通点が多いのはそれがやはり社会問題として世間一般に蔓延していることだからか？

ストーリーが面白いという点でも、普通に楽しめるアニメだが、

このアニメはそれ以上に、他のアニメにはない臨場感がある

マルチ商法と恵の性格について

マルチ商法にはまっている恵だが、これもまたリアルだ

恵は兄に依存している

依存しているため、食事を作り続け、マルチにはまってしまった

委員長という、まじめで余裕のない性格がこれまたリアルだ

兄を見捨てることができないという正義感がエスカレートし、最後、兄がいなくなった後、空虚な表情をしている

あとは、恵がファミレスで勧誘をする様子も。やはりマルチ商法の手口を忠実に再現していると思った

実は、恵に似たキャラクターも僕は知っている

大学のころ、高校の同級生から数年ぶりに連絡が来たかと思ったら、マルチ商法の説明会の誘いだった

僕は、社会に蔓延る闇を観察するため、行ってみることにした

そこはやはり、ファミレスで、地下の喫煙室がマルチのグループに占拠されていて、異様な雰囲気だった……

というのは置いといて、

やはり、その同級生は恵のようなとても真面目な性格だった

そして恐ろしいのが、その同級生は別に高校のころからガラリと変わったというわけでもなく、高校のころと同じような真面目な話し方で僕を勧誘しようとしているところだった

これも、「N・H・Kにようこそ!」ではリアルに表現されていた

アニメでは髪の色が変わってはいたが、

恵は委員長と呼ばれているだけあって、クラスをまとめていた生徒だった

ただ、佐藤くんの回想シーンでもある通り、その熱意は伝わらず、空回りからの暴走、ヒステリーを起こしているような感じだった

マルチ商法に引っかかるのはそういう、まじめで素直な人なのかもしれない

僕の高校の同級生はそうだった

これも、このアニメを見ていて心当たりがあるくらいのリアルな展開の一つだ

岬ちゃんについて

岬ちゃんは幼少期からの複雑な家庭事情、父親からの暴力などがあり、ああいった性格のキャラクターになった

手を上げられそうになると過度におびえたり、トラウマを抱えている

その影響からか、人よりも優位に立ち、支配し、監視することで安心しているのかもしれない

ただ、そうして保っている自分の平常心の裏に、罪悪感を抱えているのでは

だから時折、自分のことをクズ人間だとか言って、落ち込んでいる

自殺も、本当は死にたいのではなく、見てほしかったのでは？

自分を見てほしいがために自殺をする

本人にとって命というものにそこまでの価値を感じていたいので、死んで自分を見てくれるのであればそれはとても心地の良い事だったのかもしれない

そういうことは当の本人もわかっていない

嫌だから逃げる。というのが自殺の原因だが、その裏には、自分を見てほしい。自分に注目してほしい。という気持ちの表れだと思った

音楽について

OPのパズルは、ようつべで聴いたことがある曲だった

NHKにようこそのアニメを見たきっかけも、この曲が聴いてみたかったからというのがある

特に、「どこに行けばいいの、そんな顔してる君と」

という歌詞は、このアニメにもマッチしているし、多くの人に共感される歌詞だと思った

新しい環境に身を置こうとする人が次にどうすればよいのか弱弱しく周囲をうかがっているような情景が思い浮かぶ

僕は、中学のころ、進学した学校での初日、教室に行けばいいのか体育館に行けばいいのかわからない自分を思い出し、懐かしい気持ちになった

あとは、OP中の佐藤くんと岬ちゃんを繋ぐ水玉模様も、草間彌生のようなアプローチで、鬱や幻覚を表しているような気がした

あと、EDは2曲あるが、そのうちのOP1、踊る赤ちゃん人間も、パンチの効いた曲でよかった

人は生まれながらにして同じはずなのに、社会で生きていく中で不思議と優劣が決まり、落ちぶれていく

その不条理を嘆きつつも、それに目を背けていつまでも庇護されたいという人間の欲望を赤ちゃんに例えて全力で歌っている

この曲も、アニメの登場人物たちに重なるところがあり、とても良かった

総じて言うと

ストーリーで言うと、超絶面白いというわけでもなかったが、明らかに、その辺のアニメよりも断然に面白かった

そして、同時に。社会の病みをここまで正面から描いているというアプローチ自体に感心する

それは僕がそういう話題に敏感で、かつ、自分もナーバスなタイプの人間なので、勝手に共感しているだけかもしれないが、

少なくとも、こうしてブログ記事にまとめたくなるほどには感動した

作画に関しては、古き良きアニメ黎明期というような感じで、最近のアニメにはない、抽象的で憂鬱とした雰囲気が久しぶりに見れた気がした

音楽も良く、OPEDもそうだが、アンビエント系の劇伴など、独特な雰囲気を持っているのが良かった

このアニメの監督は山本祐介という人らしい

ヤマノススメで、ものすごく大々的に監督の名前を出していたので、印象に残っている

N・H・Kにようこそ!でも、だいぶ印象的に監督の名前を出していた

個人的には、監督の名前はもう少しさりげなく出すものだと思う

自分について

このアニメに共感している自分はどこかで佐藤くんなどと自分を重ねているからかもしれない

僕も、社会のレールの上を走りたくないという点においては、佐藤くんと同じだ

僕の場合は3DCGでありがたいことにお仕事を頂けているが、

実家に籠って生きているという点で、ぼくは踊る赤ちゃん人間みたいなものだと思った

ほかにも、岬ちゃんのように、人よりも優位に立つことで自分を保ったり、自分を傷つけることで愛してもらおうとしたり

山崎のように、敷かれたレールに抗おうとしたり、

運よくうまく回っている僕だが、やはりいろいろと問題を抱えている

僕は、あのアニメの登場人物として、違和感なく溶け込めるくらいの人間だと思う

例えば、シャイニングのホテルの間取りには、現実的にはあり得ないものが含まれている

あの作品はホラー映画の中で一番好きなだけでなく、全映画の中でもトップレベルに好きな映画だ

最初から最後まで漂う不気味な感じはしょせんは画面の中の出来事だという絶対の安心さえも霞んでくるような不気味さがある

その違和感の理由に、あり得ない間取りというのがある

実際は壁にめり込んであり得ない場所にあるトイレや、

壁の向こうには空間が無いはずなのにたくさん並んでいるドアなど、

潜在的な違和感の積み重ねで、あの不気味な感じを演出している

そんなの気づけるはずがない、言われないと気づかれないんだから意味ないよ！

という考えもあるかもしれないが、それは違う

というか、言われないでも気づける違和感は単なる作画崩壊や設定崩壊なので避けるべきだ

大切なのは、言われないと気づかないレベルだけど言われれば確かに変だとなる破綻だ

確実にそういった違和感は見る人の深層意識に働きかけ、奥深い体験を提供する

ここで、自分の作品の話になってしまうが……、

僕の初期の作品。まだフォトバッシュをやっていたころの作品で決まって心がけていたことがある

それは、頭上に何かを映り込ませることだ

陸橋や歩道橋、頭上にある建物など、決まって何かを少しだけ映り込ませるように配慮していた

それをすることにより、これらの街の仰々しい感じを表現している

画面に占める割合としてはそこまで大きいモチーフではないものの、上に少しだけ物体が映り込んでいるだけで、この空間への没入感が驚くほど変わってくる

こういうことも、言われないと気づかない表現の一つだ

ただ、それに気づかなくても、確実に見る人にとっては上に何かあるという、仰々しい空間にいるときと同じ感想を抱かせることができる

そして、そういう見せ方は今でも行っている

↑の例は自主制作の例だ

先ほどのフォトバッシュのように、直接的にものを映り込ませて上に何かある感を出すのではなく、影を落とすことによって何かある感を醸し出している

たぶん、この画面を見た人は、何か巨大な塊のような街の中にいるような印象を得ると思う

ロボが進む通りには巨大な影が落ちているが、それはつまり、この頭上に物があるということを示している

ただ、この画面には頭上の物なんて映っていないし、影が落ちているというのも、言われない限りはわざわざ意識するようなものでもない

それでも見る人は確かに、上に何かある感を感じ取ってくれる

これが、潜在的な情報操作だ

シャイニングの場合は、わざわざ図面で書き起こしてやっと気づくレベルの間取りの不調和が、言語化できない違和感となって積み重なっていく

角を右に曲がって、右に曲がって、右に曲がって、右に曲がって……、

とすると本当は最初の場所に戻ってくるはずなのに戻ってきていないだとか、

そういう潜在的な違和感は見る人に不気味さとなって作用する

ある種のデフォルメと同じなのかもしれない

別に、ホラー映画じゃなくてもこのテクニックは使える

空間を使ってそういうことを伝えるのは難しくはない

現にこの記事で扱ったシャイニングの間取りや、僕の自主制作など、

空間で考えるとわかりやすい

が、もっと抽象的な、例えばキャラクターの破綻や、ストーリーの論理的な破綻も。潜在的な違和感やその逆の感情も生むかもしれない

言われてみれば。みたいな共通項を、見る人全員に、誰にも言語化させることなく深層意識に植えつけることができるのが、理想的な演出なのだろう。

浅草キッドを見た

PCが壊れていて本格的な作業ができないので、浅草キッドを見た

北野監督映画が好きなのと、最近ネットフリックスに入ったということもあり、オリジナルコンテンツということで、前々から気になっていた作品だ

全体的には楽しい作品で、もちろん、当時を生きていたわけではないが、なんとなくその当時の雰囲気が伝わってくるような作品だった

カメラワーク、アングルについて

この作品の監督は劇団ひとりだ

僕は芸人としての劇団ひとりしか知らなかったが、映画を撮れるのはすごいと思った

カメラアングルについてまず感じたのが、引きのカットが少ないことだ

この作品の場合。演者にカメラが比較的近い近い印象が今でも残っている

それにより、あのフランス座、浅草の下町の狭い感じをうまく表現している

狭くて息苦しい感じを表現するのには良い手段だ

ただ、それとは別に、カメラは動かしすぎだった気がする

カメラをゆっくり動かして画面に動きをつけようとしているのかもしれない

ドラマなんかはそうなのかもしれないが、お金かけて作る映画なので、カメラをゆっくり動かす以外の手法で見る人を飽きさせないカットを作る工夫をする必要があった気がした

とはいえ、そもそも映画作りはとても難しい技術で、

映画と呼べる映像を作れる時点で、才能は十分にある気がした

やはり、分野によらず、一流の人間はコンテンツを咀嚼できる目があるのかもしれない

最初、監督が誰だか知らないで見始めたが、

見終わるまで、ドラマとかを普段撮っている監督の作品だと思っていた

特殊メイクについて

特殊メイク感はやはり少し気になってしまった

映画冒頭や、終盤など、大事なシーンなので、そこで疑いの目があってしまってはいけない

そもそも、そんな大事なシーンで、特殊メイクの技術に左右されるような作りにしてしまうのもどうなのかな、と思った

むしろ、北野武に似せるのではなく、全く別の人にするだとか、もしくは本人が登場しても大丈夫なように構成を工夫するだとか、

特殊メイクで解決しようというのは意外性が全くない手法なので、せっかく多くの人員を割いて映像を作れるのだから、もっと工夫があったほうが良い気がした

あとは、若かりし頃のたけしさんを演じる役者さんが、面影のあまりない役者さんだったのが良かった

観客が見たいのは、北野武の昔の話であって、若かりし頃の北野武そっくりさんではない

作り物である以上その再現度には限界があるので、作り物であるということを認めた構成にすべきだ

その点、北野武に寄せた役者になっていないところは良かったと思う

ただ、顔が引きつったような演技がたまにあったが、

実のところ、あれはバイク事故による後遺症ではないか？

時系列的に、バイク事故に遭う前から引きつっているのはおかしくはないのか

最後、タクシーに乗る場面のセリフ

タクシーに乗る際、お釣りを返して。みたいなセリフがあったが、

あれはもっとサラッと流す、あるいはあのセリフは無しのほうが良かった

あれのせいで死亡フラグが立ってしまったのがバレバレだ

弟子をタクシーに乗せ、そのセリフを言い、酔ったまま家に帰る

その後死んでしまいそうなオーラが漂いまくっていた

その後の展開への布石を敷くのは良いが、もっとサラッと言い、告別式でそういえばそんなこと言ってたな、くらいに思い返されるのが最も効果的な気がした

アニメ、ピンポンを見た

ユニークな絵柄で見る人を選びそうな感じはあるが、

個人的には、あの抽象的で揺らぎのある線は好きだったし、卓球というものを表現するための線としてはよくマッチしていて、好きだった。

漫画風の見せ方

コマ割り風のレイアウトをアニメで行っている

その試みはとても良いと思った

かつて手塚治虫が言っていた、”動く漫画”というアニメの表現から一周回ってたどり着いた境地だ

表現として漫画に回帰してきた感があった

こういう見せ方は細かな演出としては昔からやられてきたが、こうやって大々的に世界観として使っている例は思い浮かばない

そして、その表現のための原作として、ピンポンという漫画をチョイスしたのも良かった

僕は原作を読んでいないのであまり深いことは言えないが、

卓球という、動きの激しいスポーツを正直にアニメーションにするのはだいぶ厳しい

どこかで割り切らないと、ああいったスポーツものは安っぽくなる

手段としては、3Dでやるか、大胆にデフォルメするか、などの選択肢があると思う

この、ピンポンは、大胆にデフォルメすることで、アニメという制限のある表現媒体で、卓球をちゃんと描くことに成功している

作画コストも、とても高くなっているというわけでもなさそうだし、

漫画風の見せ方をすることで原作の世界観を守っているというのもすごいし、

同時に、作画コスト的な面でも理にかなっているというのが、うまいな、と思った

茶化す通行人

途中、青春っぽいせりふを茶化す通行人が現れるが、

あの感じはとても良いと思った

原作でもある表現のようだが、

あれがあることによって、物語にリアリティが増してくる

青春は物語の中の話で、実際の現実世界とは分け隔てられたモノだというのは、アニメを見る前から刷り込まれていることだと思うが、

それを壊すために、青春ではない人たちからのヤジを入れ、青春の外側もこの物語にはあるんだよ。ということを、見る人の深層意識に上書きしている

これによって、ピンポンに出てくる登場人物たちの展開が、普通の日常の中の一幕だという感じを演出している

世の中に赤しかなかったら、それは赤ではなく単なる明度になる

というのは僕の格言の一つだが、

何かを表現するためにはその何か以外の何かを画面に入れないといけない

静かな場所を表現したいのであれば無音ではなく、わずかな風音などを入れる必要があるように、

青春を描きたいのであれば、青春以外のものを描く必要があるわけだ

その点、主人公たちの青春にヤジを飛ばすあの展開は良いと思った

少し前に話題になった映画、オッペンハイマーを見た

原爆という題材なのでそもそも日本人が良い気持ちで見れるものではないというのはそうなのだが、

それを踏まえても、なんだか、エンタメ題材の一つとされている感じはあった

とは言ったものの、実際の事件をもとに映画を作るなんてこと、太古の昔から行われてきたことなので、今更どうこう言うべきでもないのかもしれない

タイタニックだってそうだ

あの映画は僕も大好きだが、実際に人が大勢亡くなった事故をもとにしているのだから、オッペンハイマーを見た日本人みたいな気持ちになる人はいるのだろう

ここではあえて、嫌な気持ちというのを赤裸々に語るが、

同時に、エンタメが売れる時代である以上、すべての人間に配慮した映画なんてものは存在しないので、僕が言うことはナンセンスだというのも自覚している

戦争映画ではない

そもそも戦争映画として見ようとしている時点で変かもしれないが、

僕がここで思い出したのは、炎628という映画だ

あの映画はナチスによるソ連の村々への虐殺の様子を描いた作品だが、

映画の終盤に挟まれる実際の戦争の様子、音声、

そこで知る、敵であるヒトラーの幼少期まで描いている

あれはソ連の映画なので、被害者側が制作した映画だ

被害者が作る戦争映画は基本的に本物だ

僕は別に、大量の映画を見た人間というわけでもないので、炎628しか例に出せないが、

なんとなく、世の戦争映画は被害者側が制作した物が名作となるケースが多い気配がする

そう考えると、オッペンハイマーは被害者側の映画ではなく、どちらかというと加害者側の映画だ

だから、当事者としての映像に込めた思想がない

どうしても、書かされた反省文みたいになってしまう

仮に、いくら見せ方が上手でも、どこかで映画にかける思想が無いのではと疑ってしまう

そう考えると、オッペンハイマーで広島長崎の被害だとかを取り上げるのは間違っている

それらを変に取り上げても、中途半端な戦争映画の出来損ないにもならないので、そうしなかったのだろう

世界観として、この映画は原爆を描いたものではなく、オッペンハイマーを描いたものだ

中途半端な戦争映画にならなかったのは良いとは思うが、エンタメ映画になってしまっているという点で、やはり手放しで喜べる映画ではないと思った

エンタメ映画として

エンタメ映画と言っているが、そこまでエンタメ映画でもない気がする

アラビアのロレンス的みたいな伝記映画だが、アラビアのロレンスほどのアクションもないし、背景の映像美もない

伝記という大枠に、人間ドラマで物語としてまとめた感じの作りだ

おそらく、すべて理解できていれば楽しめるものなのだろう

実際、後半の、仕組まれた簡易裁判みたいな展開は見ていて楽しかった

英語でのスピーディーな展開なので、あまり理解できなかったし、そもそも人の名前を覚えるのも大変なので結構置いてけぼりにされた

が、後半の雰囲気はなんとなくだがハラハラドキドキで楽しかった

たぶん、オッペンハイマーという人物は、太平洋戦争をアメリカ側から学んでいるアメリカ人にとっては、親しみや知識のある人物なのだろう

そう考えると、オッペンハイマーという、教科書にも載っているような人物の伝記映画としては、アメリカ人から見たら楽しめるものだったのかな、とも思った

題材としてはやはり、アクションが無かったり、派手なシーンが無かったり、若干単調になりがちなものではあるとは思うが、

ただ、トリニティ実験の緊迫感などは映画向きのエピソードだと思った

そういうハラハラドキドキの仕掛けは用意しようと思えばもっと脚色してでも用意できただろう

が、それをしなかったのはやはり、原爆というセンセーショナルな話題だからなのだろうか

題材として難しいところはありつつも、見ていて楽しめる映画になっていたという点では、やはりノーラン監督の実力なのかなとも思った

音が大きい

音で驚かすのは良くないと思った

トリニティ実験後の爆発音も、爆発した瞬間にほぼ無音になるという展開は良い

が、それがしばらく続いた後、いきなり爆発音みたいなのを鳴らすのは心臓に悪い

これは単なる僕のわがまま文句でしかないのだが、

例えば、爆発後の無音の中、砂漠にできた水たまりに伝う衝撃波が徐々に登場人物たちの元に近づいてきて、爆発音がする。

といったような、観客への配慮もある演出にした方が良い気がした

音を視覚化したほうが、徐々に近づいてくる爆音の不気味さを引き立たせるし、

雨上がりという状況も印象付けられるし、

爆発で不気味なのは、迫りくる爆音だ

衝撃波、来ます！　みたいな感じだ

それを演出するという意味でも、徐々に迫りくる音を画面で伝え、見る人に準備させてから爆音を聴かせるというような風にした方が良かった気がする

ほかにも、どんどん音が大きくなってから、いきなり静かになる。というような、わかりやすい演出が目立った

音の大小は大事だが、個人的には、心臓に悪いものはお客さんに出すべきではないと思っている

いくらおいしくても、体に悪い料理を出しているようでは定食屋失格だと思うのと同じように、

見る人への刺激を抑えつつ、ハラハラドキドキさせるのが監督の腕の見せ所なのでは、と思った

先日、セーラームーンを見たので、それ繋がりでエヴァを見ている

テレビ版の方だ

だいぶ前に一回見たきりだったが、先日、ようやくネットフリックスを契約したので、見ている

印象的な画面

印象的な画面は個人的な好みだ

例えば、序盤にケンスケがキャンプしているすすきの草原

すすきの茎の部分は黒ベタで、穂の部分は白塗りだった

2色で強烈なインパクトのある画面に仕上げている

何かを真っ黒にしてシルエットっぽく見せるというのは割とある表現だが、それを上回る、大胆にデフォルメされた画面だ

全体的に、雰囲気を上手く伝える背景が多い

病院の重苦しい感じもとてもよく伝わってくるし、

それが現実的なだけでなく、第三新東京市という、独特な世界観を見る人に伝えてくる

環境音について

例えば、病院にいるときにわずかに聞こえてくるニュース(ラジオ体操？)の音など、

日本人なら誰もが体験したことのある、懐かしい雰囲気を引用し、あたかもその場にいるような感覚を引き起こす

良い背景とはその場の匂いまで感じるものだと僕は考えているが、エヴァの場合は環境音でアプローチしてきている

京アニなども環境音や撮影処理などで臨場感のある風景を作り出しているが、

エヴァの場合。この世にないものまで表現しているという点で、やはりすごいと思った。

肉が嫌い。などの細かい設定について

綾波レイが肉が嫌いというのは、なんとなく頷ける設定だと思った

全体的に、そういう設定が多い。

エントリープラグの中は血の匂いがするだとか、

具体的に説明しなくても何となく伝わるキャラ設定というのはそういう設定がしっかりしている証拠な気がした

お父さんのために自分は頑張っているんだと、ラーメン屋の屋台の中で言葉にしたシンジだが、

そういうシンジはミサトから進路相談のことを仕事だと言われたときに、しょんぼりしていた

そういう細かい演技は、碇シンジが親の愛に憧れているというキャラ設定から自然に出てくるものだろう

設定さえしっかりしていれば方向性も、ディテールも出てくる

それを面白くするためにハプニングを起こすのが脚本家のすべきことだ

17話まで見た。他人の中にいる自分が怖い碇シンジ

他人の中にはいくつも自分がいる

そして、自分の中にも、それを見ている自分がいる

碇シンジは他人の中にいる自分が怖い

自分がどうみられているのか、わからないから怖い

自分に自信を持てない

だから人のことをうかがうようにして生きている

そして、自分の中にもそれを見ている自分がいる

これは、他人の中にいる自分と、他人の中にいる他人。という関係を自分に置き換えて考えた結果。自分の中にももう一人の自分がいるということなのだろうか、

だとしたら、一人目の自分が主観的で、もう一人の自分が客観的だ

主観的な自分はわかる。多くの人が想像する自分だろう

では、客観的な自分とは何だろうか

それは、本音と建て前の関係とも似ているのではないか、

自分の理想、やりたことを正直に考えているのが客観的な自分だ

それに対し、周囲との関係を踏まえたうえでブレーキをかけた後の、実際の自分は主観的な自分だ

それを、客観的な自分はいつも、文句を言いながら見ている

その文句が伝わらないと悟るのが諦めで、大人になるということなのか

この作品は随所で、わりと、心の中の実況中継みたいなことを挟む

後半に連れてそれが増えてくる気がする

抽象的な世界観に磨きがかかっている感じがして個人的には好きだが、

実際のところは、単にスケジュールが消えていった結果の不可避な演出なのかもしれない

25話26話を見た

スケジュールの破綻で他に類を見ないほど抽象的な構成だが、エヴァという世界観もあり、個人的にはこの雰囲気も悪くないと思う。

ちなみに、まだ「まごころを君に」を見ていないので、まだ僕の中で抽象的な感じだ

この抽象的な感じは、庵野監督が碇シンジと対話しているときの会話そのままな気がする

僕がやっている、ブログでの自問自答みたいな感じだ

碇シンジもそうだが、この作品の登場人物は庵野自身だ

エヴァに乗るということを要求されるシンジは、アニメを作ることを要求されている庵野自身だ

プロフェッショナルの最後のインタビューで、庵野は、自分にできるのはこれくらいしかない。みたいなことを言っていたが、

その心をそのままあの世界観に投影したのが碇シンジだと思った

エヴァを制作していた当時はなおさら、その気持ちだったのだろう

真相は定かではないが、当時のアニメキャラに一方的な萌え感情を抱くオタクに対して、庵野監督が嫌悪感を抱いていたという情報もある

実際、このアニメを作った後、庵野監督は病み、自殺も考えていたようだ

その原因になったのが、２ちゃんの書き込み。庵野監督からみたオタクたちの誹謗中傷だというのもプロフェッショナルでやっていた

そんなオタクに仕返しするために、アスカをひどい目に合わせたり、主人公であるシンジをレイともアスカともくっつけなかったり、

そういう気持ちでアニメを作っていたようだ

もはや庵野監督は25話、26話で、エヴァンゲリオンという世界観に自分の意見を成形することを放棄している

時間的にも精神的にも、成形する力が残されていなかったのではないだろうか

だから、自問自答みたいな感じの最終話になった

監督が自分の言いたいことに世界観を与えて物語にして映像化にするものだとしたら、碇シンジは庵野自身だ

そして最終話付近で、事情もあり、映像化することができなくなった

アニメ監督としてのプライド、視聴者からの期待。それに応えることのできなかったが故のオタクからの誹謗中傷。

それが理由で庵野監督は病んだ

そして、肝心の内容についてだが、

個人的な解釈になってしまうが、あの最終話は共感できる部分が多かった

勝手ながら、SNSや家族から期待され、狂ったように作品を作る僕に似ている部分があったからだ

今も指が痛いが、こうして文章を打ち込むことをやめられない僕は、自分という存在意義を他人に求めているため、その存在意義を強固にできる作品作りをできるという満足感のために仕事をし、文章を書いている

僕の場合は親だ

だから親離れできていない

親が自分を求めてくれる状況が心地よくて、今もこうして実家に籠っている

自分の生きる意味を自分以外の誰かに求める。それは間違っていない

ただ、その求める先が不安定ならば、自分も不安定になる

なんとなく、エヴァや碇ゲンドウは安定してはいないと思う

物語のストーリー上、その２つは破綻するので、シンジ自体も破綻に進んだのだろう

ただ、それを言語化し、自分の価値を決めるのはエヴァでもゲンドウでも他人でもないことに気づいた

それがクライマックスになったのかもしれない

こういう、自問自答的な最終話になっているのは、実際のところ、人類補完計画が遂行されたためだ

人類補完計画が行われると、ATフィールドが消え、自分と他人との境界がなくなる

その状態を、抽象的な世界ととらえ、碇シンジの本音が自問自答するような最終話になったのではないだろうか

抽象的ならば描く量も少なくて済むだろうし

「まごころを、君に」まで見た。ATフィールドと人類補完計画。

旧テレビ版系列の最後、まごころを君にまで見た

人類補完計画が遂行されるが、その後、シンジによってまたATフィールドのある世界が選択された

それは、主人公シンジの成長物語ということで、ハッピーエンドと呼べるかもしれないが、ビジュアルはハッピーエンドからは程遠い

なんとなく、庵野監督はカウンターカルチャー的なものが好きなタイプな気がしてならない

自分の欲望を抑圧され続けた結果、碇シンジのようなキャラが登場する物語ができた

それと同時に、碇シンジのような、おかしくなった自分を見てほしいというような世界観もできた

ラストのシーンは、半分に割れたレイの顔と、真っ赤な海。十字架にはりつけにされて硬直したエヴァシリーズが２体。それを望む砂浜に寝ているシンジとアスカ。

あの場面で画面内に収めるモチーフとしてそれをチョイスしてくる間隔が碇シンジっぽくて面白かった

というのは良いとして、

碇シンジはあのクライマックスで成長したと思う

ATフィールドというのは、自と他の境界だ

これに関しては、僕も自と他の概念が人間の構成として重要だと思っていて、

それにのっとって自主制作アニメーションを作ってしまうくらいの考え様だ

なので、僕が勝手に自分と他人の境界と言っているだけかもしれないが、

とにかく。ATフィールドは自分と他人の境界だと思った

他人がいるから自分は傷つく

比較したときのみ傷つくので、比較対象がいなければ傷つかない

自分と他人というのがエヴァンゲリオンのテーマだと思う

その2つが溶けあい、ただ生きているという事実だけが情報として存在するだけの世界に行くのが人類補完計画だ

ただ、碇シンジはそれを選択せず、自分と他人とが存在する世界を選んだ

そこがシンジの成長だ

正直、ここでなぜシンジが成長したのかはよくわからなかったし、少なくともわかりづらいという点で、この映画は大衆向けではない

エヴァのテレビ版序盤のように、何かが起きて何か結果が生まれる。というような因果関係があればエンタメ作品として一般受けするものになったのだろうが、

もはや庵野秀明とエヴァンゲリオンというネームバリューがあるので、好き勝手出来たのだろう

まるで、劇場版でヒロインが車に変身する革命少女ウテナのように

セーラームーンとのつながりについて

革命少女ウテナといえば、セーラームーンだ

僕は最近、セーラームーンを見ていて、結構楽しく見ている

そんなセーラームーンはエヴァとつながりがあるようで、

ミサトの声優はうさぎと同じだし、

そもそも、ミサトの前髪のデザインはうさぎをモチーフにしたようだ

綾波レイや、白き月、黒き月など、月モチーフがエヴァにも出てくる

カヲルのモデルは幾原監督だ

そういう繋がりで、エヴァを今回。見てみたという次第だ、

以前見たことある映画だが、Dアニメに復活していたので見てみた。

世界観について

世界観はとにかくすごかった

凄すぎて逆に集中できなかったくらいだ

葬式の様子や、街のデザイン、プロダクトのデザイン、文化など、

隅々までデザインされている

途方もない作業量が必要になるな、と思った

それでいて、ちゃんと現実感のある画面になっているのが凄い

今、地球上にある文化や意匠をしっかりと観察し、解釈した人でないとできないデザインだ

この作品のデザインは一人でやっているものではないらしい

異世界をちゃんと描くために、デザインも複数人で行い、宮崎駿のような、一人ですべてをデザインする。という結果になることを避けているようだ

個人的にはその手法については、理にかなっているとは思いつつも、それに関して統一をする専用の監督を立てるくらいのことをしないと、本物の異世界というものはできないと思っている

世界にあるデザインというのは完全に独立して存在しているのではなく、ある程度の系譜を踏んで発展しているものだ

それを完全に再現するには、その系譜を定義する世界観のデザイナーが必要だと思う

僕がこの映画の世界観デザインを見ていて思ったのが、その系譜にあたる気配が無かったことだ

いや、それを察知したというよりかは、本物のファンタジーというのは世界の系譜が必要になるので、果たしてそれを制御する人間をスタッフに立ててこの映画の文化は作られているのかな、という点が気になった

実際、各々のプロダクトデザインは素晴らしいもので、飛行機やロケットのデザインなどはある種のスチームパンクっぽさも含んだ、唯一無二のデザインになっていたと思う

ただ、細かいところを見ると、やはり、デザイナーの個性というか、そういう人の気配がしてしまう気がした

例えば、船が出航するとき、板を叩く風趣があったが、その板が角ばった質素なものだったのは気になった

切符や、テーブルゲームのカードが装飾されているような文化なのに、あんな無機質な板をあそこにぶら下げるものなのかな、と感じた

なんとなく、あの世界の人間の感性だったら、あの板も角を取ったり模様を描いたりする気がした

そしてその模様が剥げていたり。そういうディテールがあったらほかの文化にも違和感なく溶け込んでいた気がする

個人的には、やはり、異世界を描くなら複数のデザイナーが集まって作るのではなく、宮崎駿のような中心人物を据えて、世界観監督のような形で制御して作ったほうが良い気がした

ロケットというモチーフ

ロケットというモチーフは当時20代前半だったスタッフたちの若さの象徴な気がした

自分たちの境遇を作品の一本の柱としてとらえて、そこにキャラクターをつける作り方だ

あとは、ロケットや飛行機など、当時の制作スタッフたちの好きそうなものが目白押しだった

爆発のシーンや、ドッグファイトのシーンも、明らかに飛行機や爆発が好きな人が書いているんだろうなという感じだ

爆発のシーンや氷のシーンは庵野秀明が作画している

ロケット打ち上げ時の氷のシーンは伝説的で、今でも話題が絶えないものだが、

ああいった細かな仕事ができるのも庵野秀明の凄いところだし、そういうのが好きじゃないとできないんだなとも思った

氷が等速で落ちているのが良い

それも、氷をたくさん描いたセルを何枚か重ねて違う速さで引くという、ありがちな方法ではなく、一枚一枚手描きで描いている

あれによってあの場面がしっかり見せ場になっている

氷が回転し、等速でゆっくり落ちていく様子と、勢いよく噴き出す炎のスピード感のコントラストが美しい

印象的で、物語の見せ場にも慣れるような、かっこいいシーンだった

キャラクターの顔

キャラクターの顔が日本人っぽいのも個人的には好きだ

あとは、AKIRAのような写実的な顔立ちも良い

ただ、だからこそ大衆受けしなかったというのもあるのだろう

そもそも物語の構造的にも、感情曲線の上下がわかりにくいという点で、エンタメ映画にはなっていない

キャラの顔も、萌えを狙うのではなく、どちらかというとドキュメンタリーに近いような、

違う世界の出来事を見るという体験自体に価値を置いているようなそんな感じがした

ストーリーについて

ストーリーについては、先ほども少し触れたように、エンタメ感は無かった

そういうところが個人的には好きだ

何でもエンタメにしようとする風潮もどうかと思っている

主人公のわかりやすい感情は無かったし、ヒロインも報われるわけではないし、

特に幸せになった人もいない

ロケットを打ち上げるというクライマックス自体も、それが好きな人にしか刺さらなそうな展開だ

ロケットが好きではない大多数の人に、ロケット打ち上げをクライマックスとして認識させるには、また別の何か、感情曲線の高ぶりがロケット打ち上げとリンクできるような前準備が必要だ

ただ、この作品ではそういうことをしていない

だから、多くの人にとって、クライマックスがクライマックスになり切れていないので、エンタメ映画っぽくはないのだろう

この映画を見た後、いろいろ調べて、どこかで見た話だが、

山賀監督はこの作品をドラマにしていないし、しようともしていなかったらしい

個人的にはドラマ成分も含んでいる気がしていたが、それもそこまで強くなく、まだやはり、クライマックスとは結び付いていないなという感じだった

それよりも、この作品はどちらかというと、世界観の設定、メカ、衣装デザインなど、そういうところに価値がある作品な気がする

なので、どちらかというとこの映画は自主制作映画だ

自主制作映画のノリで作られた商業映画だ

そして、それに携わった人がどんどん有名になるにつれて買われていった、回収に長い時間がかかった映画だ

自主制作映画でもこれだけ成功したのは、庵野秀明や岡田斗司夫という、今となっては有名になった方々が若かりし日に作ったものだからだ

個人的にはそういうのはすごくうらやましい

今僕が作っている自主制作が、公開したくはないけど公開したいというのはまさに同じ理由だ

どうせ今公開しても評価はされない、けど、僕が有名になった後に見てもらえれば、僕のやりたいことが詰まっていたので面白く見てくれるだろう

だから最近、どう公開しようか悩んでいる

先日会った高校の友達がJust Because好きだと言っていたので、見返してみた

当時はあまり刺さらなかったアニメだったが、改めて見てみたらとても良かった

青春を淡々と映している感じ

青春ラブストーリーだが、変にこてこてしたシーンは無く、さらさらした印象だった

どちらかと言えば、登場人物にカメラを向けているのではなく、その周囲にカメラを向けているような感じだ

恋愛がある高校生活終盤を淡々と切り取っている感じが、リアルな青春時代という雰囲気を演出しているのかもしれない

センター試験、受験、

そういうものをテーマにして恋愛ストーリーにしているのは意外と少ないんじゃないかという気もした

恋愛なんかしてる場合じゃないだろ！　勉強しろ！

みたいな感じになるので、そういう構図の作品は少ないのかもしれない

この作品がその壁を越えているのは、勉強したり、進路が分かれていったりというのをちゃんと物語の構成に組み込めているからだ

0か1で決まることは0にも1にもならない法則

というのは、このアニメを見ていて思ったことだ

コンクールで賞を取ったら○○

だとか、

大学に受かったら○○

というような展開の時は必ずと言ってよいほど、コンクールの結果はどうでもよくなるし、大学の合否もどうでもよくなる

これは、君の膵臓を食べたいでも同じ展開だ

病気が治るのでも、病気で死ぬのでもなく、全く関係ないことで亡くなる

アニメ、というよりも脚本の鉄則のようなものがあるのかもしれない

予想を裏切るというのが脚本での一つのテクニックなので、斜め上を行く展開にする場合、0か1。と見せかけておいて実は2だとか3だとか、

そういう意表を突く展開になりがちだ

このアニメもそうだった

このアニメは脚本が花田十輝さんだ

僕が個人的に推している作家で、ガルクラや、よりもいなども花田さんが脚本を担当している。

この方は結構テクニカルに作っている印象があるので、そういう脚本の鉄則のようなものを守っている

これにより、最後まで意表を突く、見る人を飽きさせない物語にすることに成功している

3DCGについて

僕はやはり3DCGアーティストなので、どうしてもそっちに目が行ってしまう

モノレールの支柱に当たる窓の光など、3Dならではの表現は印象的に表現されていてとても良かった

ただ、全体的に見ると、若干浮いているカットがあった気がした

少し前の作品なので仕方がないというのもある

ただ、湘南モノレールのモデルなどは、テクスチャの張り込み感が目立つので改善できたらもっと良いのにな、と思った

例えば、ガラスなどのつるつるしている面だけでも、撮影処理で反射を足すだけでクオリティが増す

雰囲気を伝えるのがうまい

リアリティのある構成、ストーリーだが、それに拍車をかけているのが、リアリティのある映像と音にあったと思う

映像面では、写真加工で背景を作っている場面も多かった気がするから、リアルな印象になったのかもしれない

このアニメにおいては、キービジュアルの通り、黒がパっきり出ていて割とスタイリッシュな雰囲気なので、写真加工の背景がマッチしている

あとは、音も、湘南モノレールのホームの音や、環境音なども印象に残った

光の色使いも上手だった気がする

そういう、撮影処理、色味の調整など、臨場感のある仕上がりになっていたので作品に没入できた

北野監督作品、菊次郎の夏を見た

ソナチネのような構造をしていた気がする

お笑いが物語の過程として入っている

ソナチネでは日常の東京から沖縄に行って遊んでいたが、

菊次郎の夏では、日常の東京から静岡に行って遊んでいる

もはや、後半のお笑いパートが本番みたいな雰囲気も感じた

途中、モザイクが出てきたが、あの表現は完全に映画として見せようとしているのを放棄している

あんなことができる北野監督のブランドがうらやましい

北野映画にある独特な雰囲気の正体

文字にすると当たり前だとは思うが、

北野監督は芸人としてのキャリアが長く、漫才、落語、演劇など様々なお笑いのスペシャリストだ

テレビで放映されるお笑いでは、カメラの中に登場人物を陳列するようなレイアウトだったり、

そこで、今起こっていることをある種記号的に説明するのが、お笑いというものではないだろうか

だとすれば、北野監督が映画を撮った時、北野映画のような洗練された画面になるのは自然な流れだな、と思った

ただ、菊次郎の夏については、少しだけ、その魅力が損なわれているカットがある気がした

クレーンを使ってゆっくり上昇するカメラワークが何回かあった気がするが、あのアプローチは無かった方が良かった

普通の映画であればああいった撮り方で表現できる心情があるが、菊次郎の夏のような、北野映画でそれをやる必要はない気がした

個人的には、北野監督の映画の良さは状況説明的なレイアウト、動かないカメラ、陳列するようなレイアウト、

そういうところにあると思う

その中で、カメラを動かすというのは、北野監督の映画ではなく、普通の娯楽映画みたいになってしまうのでよくない気がした

音楽について

この作品のメインテーマは超有名なsummerだ

この曲は物心ついた頃から聞いている気がする

確かにこの映画にうってつけの音楽だ

菊次郎という名前について

菊次郎というのは、北野武の父親の名前のようだ

ただ、この作品を見る前は、菊次郎が男の子の名前だと思っていた

そういう先入観から見ていたので、ラストの名前を明かすシーンは少し衝撃だった

菊次郎が父親の名前ということは、この映画の中のおじさんは北野監督の父親のイメージなのか？

素行の悪い登場人物

この作品には見習ってはいけないような大人たちが何人も登場する

いろいろな悪いことをしているが、そんな登場人物を堂々と描ける自信が凄いなと思った

これは僕が今、脚本のことをいろいろ考えていて思うことだが、

悪いことをする登場人物を描くと、どうしても悪者になってしまう

あるいは、悪者にしないようにしようとすると、悪いことができない登場人物になってしまう

この作品の登場人物は自分勝手で、悪いことをしている。素行の悪い人間がたくさん出てくるが、それは不快な印象ではない、

むしろ、夏という季節とsummerという音楽も相まって、小学生の夏休みのような純粋さを感じられた

悪いことをする大人たちをここまで純粋に描けるのはそれだけ、笑いやギャグに対する思い入れが深いからなのか？

現実の人生でも大胆に振る舞ってきた北野監督だからこそ作れる世界観な気がする

最近、僕の周りで、このアニメに関する話題が多く出ていた気がする

どうも、ギターを3Dでやり、キャラを2Dでやっている。という話を聞いた

確かにこのアニメはそういった見せ方をしていて、2004年の作品とは思えないほど先進的だと思った

ギターだけでなく、背景や車なども3Dでやっていて、それなのに辺に悪目立ちしているような感じでもない

特に、OPの最後のほうのカット、飛行機は3Dでやっていたが、2Dと見間違えるような質感表現で驚いた

見たところ、美術さんに書いてもらった飛行機の絵を3Dに投影しているような感じだった

そういう表現は今となってはもうありがち表現になってしまったが、2004年の時点で、違和感なくそれを映像化しているという時点ですごい

むしろ、黎明期だからこそ、研究もかねて本気で手を抜かずにその絵を作っていた感じがしてよかった

ストーリーについて

僕は、若者が夢を追う系の物語が好きで、よく見ている

この作品もそういった感じなので、見ていて楽しかった

なんだか、いつまでも平凡な日常が続くような、気楽な雰囲気の若者がたくさん出てきていて、良かった

バンドが結成されるまでも、とんとん拍子に行くのではなく、いろいろな障害を乗り越えて行ったり、最後には一度解散していたり、

そういうイベントの配分はちょうどよいペースだった気がする

26話だが、最後まで安定して楽しめた

キャラクターに関しても、根っこからの悪者はほとんど出てこない

学校の不良も成長して大人になったらまともな人間になっているし、

殴り合いも、単なる恨みの晴らし合いではなく、理由があって殴り合っているというような、人間性も垣間見える風に描かれていた

レイアウト、カット運びについて

この作品で一番すごいと思ったのが、カット割り、レイアウトなど、絵コンテの領域だ

カメラを不必要に動かすことなく、淡々と場面をつなげているような作り方がとてもかっこよかった

暗転を多用しているのも、一見するとレパートリーの少ないつなげ方だと思われがちだが、この作品においては違った

正直、この結果が監督の意図したものだったのかはよくわからない

が、暗転を多用して生み出される独特なリズム、淡々としたカメラワークなども相まったこの作品の雰囲気が意図的なものだとしたら、監督の実力は半端ないと思う

フリクリの影響は受けているかもしれない

髪などのハイライトが少なく、淡々と場面を見せる説明的なレイアウトはフリクリっぽかった

マッドハウスについて

この作品はマッドハウス制作だ。

マッドハウスはもしかしたら、僕の一番好きなアニメスタジオかもしれない

サニーボーイ、ブラックラグーン、メトロポリスなど、

なぜか、僕の好きなアニメはマッドハウスが作っていることが多い

今敏監督作品もマッドハウスだ

なんとなく、スタジオの持つ雰囲気のようなものが、僕が求めるものと近しいものがある

説明的なアングル、ノスタルジックな世界観、ディープな描写などが僕は好きだが、マッドハウスの作品にはそれがたくさんあるのかもしれない

この作品は結構前に見てから、ずっと心に残っているアニメだった

Dアニメストアから消えてしまったアニメだが、最近になって復活していたので見た。

普段はネタバレ気にせず記事を書いていますが、この作品に関してはネタバレする前と後で面白さが変わってくるものな気がするので、一応断っておきます。ネタバレありです。

よいアイデアを最大限楽しめる構成

この作品は45分ほどの尺しかない

原作は読み切りの漫画のようだ

個人的にはそういう短い物語が好きで、ルックバックやメモリーズなどのような、事前知識なしで、単独ですぐに楽しめる物語というのがプロポーションとして美しい気がするので、結構見ている

その中でも、特に好きなのがこの、蛍火の杜へだ。

内容は恋愛系だが、そこに、触れては消えてしまうという制約が設定されている

近づきたいのに近づけないというジレンマが、2人を切ない結末へと導く

このアイデアが素晴らしいのは言うまでもないが、この作品は構成によってそのアイデアを効果的に利用している

45分と短いので、そのアイデアだけで物語が良い感じのペースで終盤まで進んでいく

なので、余計な要素がない。さっぱりとした印象の作品に仕上がっている

ここに肉付けをしてしまうと、日常系アニメみたいになりすぎてしまうだろう

さらに考えられているのが、この作品が主人公の昔話のような形で語られている点だ

これはタイタニックや、異世界転生ものと同じような効果を生み出しているようにも思える

現実と陸続きの物語だということにすることで、ファンタジーでありながらリアリティのある雰囲気に仕上げている

子供のころにあった怖い体験、楽しい体験。今となっては現実だったのか夢だったのかわからない体験

そのフォーマットにこの作品のストーリーも当てはめている

これが単なる現在進行形の語り形式だったら、ここまで印象的かつ、リズミカルな作品にはならなかっただろう

この作品は一見、割と王道な展開のみの作品だと見せかけておいて、じつは気づかないところで細かい演出が働いている作品な気がする

夏祭りの伏線

森の中で行われる妖怪だけの夏祭りがこの作品のクライマックスだが、その話はだいぶ前から伏線として出てきていた

村の人が昔、迷い込んでしまったというような小話が出てくるが、それはクライマックスの伏線になっていた

クライマックス。ギンが消えてしまうとき、通りすがりの子供たちに触れられていたが、その子供が実は人間だった

というのは、たまに祭りに迷い込む子供がいるという話が伏線になっている

クライマックスについて

クライマックスがまた良い。

ギンと蛍だけでクライマックスを迎えると思いきや、不意な形で、何の準備もなしに、知らない子供たちによってギンが消える

満たされて終わる恋愛ではなく、その前に終わってしまう恋愛だ

ここがまた儚い雰囲気を演出している

消えてしまうギンを抱きしめる蛍だが、その感情が短時間で喜びから悲しみに代わっていく様子もよい

この急な感情の変化が感動を呼ぶ

一瞬でこれだけの感情を動かしてくるクライマックスもなかなかないと思う

ちょっと惜しいと思ったところ

尺が44分で、長編というよりも、ショートアニメというような印象の作品だ

なので、あの最高のクライマックスの後、すぐ、成長した蛍のパートに入ってもよかった気がする

あの後、妖怪たちが話してきたり、少しだけ展開があった

今の状態でも十分短い展開にまとまってはいるが、個人的にはそれすらもカットして、あの余韻のままエンディングに入っていくほうがよかった気がする

これが90分くらいのアニメ映画であれば、きちっと終わらせないと終わった感が出ないが、この作品は印象としてはショートアニメだともとらえられる体感なので、むしろ、クライマックス後すぐに終わりというのでもよかったのでは。

と思った

せっかくディズニー＋に加入しているのに、最近はDアニメストアでドラゴンボールを見るだけだった

なので何となく、この作品を見てみた

この作品は、だいぶ前に見たことがあるような気がする

が、その展開なども忘れていたので改めて見てみた

カール爺さんの体力が凄い

まず思ったのは、カール爺さんが元気すぎるということだ

岩山を移動するだけでもすごいのに、カール爺さんは家を一軒引っ張っていた

岩山というのは見た目以上にハードな場所で、僕も、筑波山から下山しただけで5日間くらい動けなくなくなった

他にも、体調3mほどの鳥と、10歳くらいの子供と、中型犬がぶら下がったホースを一人でつなぎ留めていたりもした

もちろん、そういうことを指摘するのははおとぎ話的解釈の前では無粋なことだということも理解しているが、さすがにカール爺さんは元気すぎる気がした

絵的な美しさ

カラフルな風船が煙突から出ている様子は、シルエットですら美しいくらいに絵になる演出だ

影が太陽光に透けて色づいているのも面白かったし、

暖炉から繋がった風船の糸を切って上下をコントロールしている様子も、アイデアが面白い

そもそも、古い家がカラフルな風船によって飛んでいるという様子自体も、物語中のカール爺さんの振る舞いを反映しているようで良かった。

3DCGのレベルが高い

ピクサーなので、言うまでもなく3DCGは最強だった

ただ、ここではあえてその弊害に触れるが、

カール爺さんが元気すぎたり、暖炉の一点で家が浮いたり、家が都合よく操縦できたり、何十年も前の飛行船がメンテナンス無しで操縦可能だったり、

そういう、物語の演出上の嘘が気になってしまうのは、3DCGのレベルの高さが招いたことだ

脚本の解像度と、絵の解像度は合わせる必要がある

おそらく、このことにあまり配慮していなかったがために、ちょっと違和感を覚える感じになってしまったのではないだろうか

似たような作品としては、ゴジラ-1.0とかがある

もう少し、セルルックっぽい質感に3DCGを寄せるなどして、絵としての解像度を下げるなどの工夫が必要な気がした

風船というタイムリミット

物語には何かしらのタイムリミットが必要だ

それがあると、物語が緊迫した物になる

そして、そのタイムリミットを、そのまま具体的なモチーフとして風船にし、物語に組み込んでいる

風船はガスが抜けて浮力を失うし、

一度空に放たれた風船は元には戻らない

洞窟の壁などに擦れるだけで風船が割れる

風船が割れるという絵自体が、タイムリミットというものを強く感じさせる

そう考えると、やはり、主人公がおじいさんというのが良く働いている

人生のタイムリミットが迫っているおじいさんと、風船が割れ続ける空飛ぶ家は意味合いにおいてリンクしている

だから、ただ風船が割れるだけでも、カール爺さんの冒険が終わりに近づいているような寂しさを感じる

ストーリー

一番良いなと思ったのが、家具を捨てて再び浮き上がるシーンだ

あの場所にたどり着いたとき、カール爺さんは定住することに決めていた

が、そこで、改めて室内を見てみると、散乱した家具とボロボロの家に寂しさを覚える

そして、亡き妻の言葉を目にして、冒険が終わっていないと感じ、家具を捨てる

家具を捨てるというのが、新しい冒険の始まり。これまで積み上げてきた思い出、あるいは慰めとの決別。

そういうものをこれまた絵として直接展開にしている点が良かった。

この映画は、ものすごくメタファー的な考えでモチーフが考えられた作品な気がした

おじいさんが長年住んだ家が風船で空に浮かび、少しづつ高度を落としていく

絵的なものと意味的なものがリンクしている

まとめ

エンタメ的な面白さもあり、テーマも単純明快で多くの人が共感を感じそうなものだった。

メタファーの使い方がとても上手で、参考になった

「3-4X10月」を見た

数か月ぶりに北野武監督映画を見た

シュール

とにかくシュールなギャグが多い印象だった

カラオケ喫茶でのシーン、微妙な歌唱力の歌にのせて、たけしが向かいの席のヤクザをビール瓶で殴る

その間にもたけしの連れのヤクザは黒人の女と踊っている

あとは、事故を起こして呆然とする様子だったり、事務所に乗り込むシーンで、花束に扮した銃が暴発する展開だったり、

指を詰めるとき、「忍耐」と書かれた置物で叩いていたり、

いろんなところでシュールなギャグというものが多い気がした

謎多き感じ

タイトルもそうだが、謎多き感じをわざと演出している気がした

特報も、謎の宗教画から始まり、「3-4X10月」と繰り返し読まれるだけのものだ

この映画は今となっては成功している気がするが、当時は興行的に振るわなかったようだ

なんだか、押井守の天使のたまご、を思い出した

全体として、武監督の自信が感じられる作品だった

そもそもエンタメにしなくても、北野武という名前だけでも看板になる監督なので、こうした尖った映画を撮ることができるのだろう

そういうと頃が少しうらやましいと思った

アニメ、フラクタルを見た

山本監督の作品だ

山本監督らしい、少女の若干性的な描写が目立ったアニメだった

世界観

どうやら、未来のアイルランドの話のようだ

それに応じてかはわからないが、飛行船のデザインがバイキングっぽかった

質素で、高い木々があまりない世界観は個人的に好きだった

ストーリー

結構難しかった

いろいろと因果関係が多く、わかりづらかったが、キャラがかわいいのと、世界観、作画も良かったので、十分楽しめた

たぶん、山本監督は変態だと思う

その頭角が見え隠れするので、ネットでは叩かれてしまうのだろう

個人的には、どんな主張でも、それを発信することを許したプロデューサーと、出資者がいて、アニメとして世に放たれたのであれば侮辱することは無粋だと思っている

ので、山本監督の少女に対する表現は個人的には良いと思った

あとは、ギャクセンが地味に高かった気がする

通常ならば入ってこないような中途半端なセリフで、シュールな笑いを誘う場面が結構あった

山本監督の作品では、WUGの1期がとてもよく、全アニメの中でも上位に入ってくるくらい好きな作品だ

フラクタルはWUGの５年くらい前の作品だと思うが、この作品には先に述べた少女に関する描きかた以外、そう言う雰囲気はなかった気がする

絵について

僕がこのアニメで一番良いと思ったのが、髪の毛にハイライトが入っていないところだ

新世界よりでもそうだったが、髪にハイライトを入れないというのは、とても良い表現だと思う

ハイライトのある髪の毛はなんだかテカテカしている気がしてあまり好きではない

その点、ハイライトをなくすことにより、そのテカテカ感を軽減することができる

この作品の場合、寂しい雰囲気にハイライトのない髪の毛がマッチしている気がした

「ジョニーは戦場へ行った」を見た

炎628に続き、名作と言われる戦争映画を見た

戦場で負傷し、肉塊となった若者の物語だ

カラーとモノクロ、現実世界と脳内世界

モノクロとカラーの使い分けがうまい

ここまで大胆に別けて制作、公開できたのは、カラー映画に移行して間もない時期ならではな気もした

現実はモノクロで、冷たい感じがするのに対し、ジョニーの脳内の世界はカラーで明るい

ジョニー自体から見た世界の暖かさでもあるし、ジョニーが脳内だけで持つ五感を表現しているのだろう

ジョニーの脳内の場面は抽象的な描き方をされている

脳内はいつも抽象的だ

それは、人間が見る夢のようなもので、脈絡もない妄想のようなものが連続している様子を表現しているようだった

もはやジョニーの中は精神世界で、いうなれば、新劇場版のエヴァの終盤みたいな感じだ

ジョニーが感じることが何かに比喩されてシュールな世界となって羅列しているさまは精神世界の抽象的な雰囲気をうまく表現していた

作品のメッセージ

この作品は反戦映画だ

ただ、それを、戦争というものを直接描かずに伝えているので面白い

トリッキーなようではあるが、実際は、戦争に行ったらこんなひどい目に遭うよ。というようなことを言っているだけにも思える

ただ、それを、精神世界に取り残された人間の自我という、哲学的な視点から描くことで、2つのテーマを含めている

単に哲学的テーマだけだと、それだけの映画になってしまうし、戦争で重傷を負った兵士に憐むだけだと、それだけの映画になってしまう

戦争で重傷を負った兵士の精神世界を描くということにより、初めて、映画として、脚本として面白みが出ている

何かと何かを合わせる。というのは、脚本の作り方の一つなのかもしれない

ベルセルクを見た

アニメ大好き外国人がようつべでリメイク版を批判している動画を結構前に見た

それから漠然と気にはなっていて、最近、目に留まったので見てみた

こうして記事を書くくらいなので、とても良いアニメだった

なんだか凄みを感じる

この凄みというのは、シュールだったり、リニアだったり、規則的だったり、というような感じの雰囲気全般を示す

ベルセルクでは、劇伴がとても少なかったり、カメラアングルが状況説明的だったりして、とても凄みを感じた

扱っている物語も重いものだ

それも相まって、この独特な凄みを生み出しているのだろう

良い意味でテンポの悪いリズムだった

敵が登場しても、説明を全部見せるし、カットの最初と最後に余白のような間があったりした

それは意図的にやっているのかはわからないが、先に述べた凄みと相まって、なんだか断片的な印象に仕上がっていたと思う

東京物語みたいな感じだ

ベルセルクはアクション系の作品なので、この、断片的でテンポの悪い雰囲気とのミスマッチが独特な雰囲気を醸し出したのかもしれない、

あとは、ストーリーについて

少なくともアニメ化されている範囲では、キャスカに関するジェンダーへの問いに関するストーリー、グリフィスに関する個人の野望と周囲の犠牲に関するストーリー。その両者をつなげる主人公ガッツ。

という構図なのかもしれない

ガッツの物語については僕の理解力不足もあり深くはわからなかった

グリフィス、キャスカという、光と影のあるキャラクターに触れていき、大人になっていくという構図だろうか、

それくらいしかわからなかったので、キャスカとグリフィスを取り巻くストーリーについて文字にしてみる

まず、キャスカについて、

最初は女に生まれたくなかった。というような闇を打ち明け、それに関するストーリーが本格化していく

このセリフで、最初、戦場という男性優位な場所で活躍を望む女騎士のキャスカ。ただ、体力に劣っていることは仕方のない事実で、それに苦しむ、

という構図でジェンダーをテーマにストーリーを作っていくと思っていたが、この作品はさらにもう一つのレイヤーがあった

というのも、キャスカが女騎士になった原因は、昔、貴族に乱暴されそうになったのがきっかけだ

それ以前のキャスカはアニメで描かれていなかったので、描かれている範囲だけでの感想にはなるが、

キャスカはあの事件が無ければ、女騎士にはならなかった

つまり、キャスカを女騎士にしたのは男貴族の乱暴だ

女だから、ついでに言えば平民だから、貴族の男に搾取されそうになった

そして騎士にならざるを得なかった。

さらに、騎士になった先でも、ジェンダーに関する問題で感情が動いていく

きっかけもそのあとも、同じテーマで同じことを語っている

ひとつの出来事を通してテーマを語るのは簡単だが、このように、2つの出来事で同じテーマを語るのはトリッキーだと思った

キャスカは最初から最後まで服が破けたり、性的に搾取されているようなセリフ、描写があった

そういうものも含めて、一つのテーマを強く伝えることができているストーリーラインな気がした。

キャスカに関しては、ストーリーの終盤。女になっていく様子も描かれていたので、そこは展開上の着地になっていた気がする

あとは、グリフィスのストーリーについて、

何かを成し遂げるためにほかの多くの人を犠牲にしている姿。

何かを成し遂げるというのを城に比喩して物語にしている

これはとても直感的でわかりやすい。というか、個人的にはグリフィスのこの気持ちはよくわかる

僕も、夢を持っていて、そのために多くを犠牲にしている人間だ

他人を直接犠牲にしているわけではないが、

ただ、僕が目立つということはその分誰かが目立たなくなるということだし、僕が仕事をするということは誰かがやるはずだったその仕事を奪うということだ

自分の体も痛めつけ、若い時間もささげて、夢(城)を目指している

その姿は作中でのグリフィスのようだ

それに気づき、引き返そうとするとおばあさんに止められる

そこでは、自分も死体になってしまう。と止められていたが、

僕はそれよりも、自分のために屍の山となった人たちのことを思うと止まることはできない。というようような気持になった

……というのはこの作品のレビュー関係なく、単なる個人的な気持ちなので伏せておく

とにかく、グリフィスのストーリーはとてもストレートで、裏表ない簡単な物語だった

そして、そんなグリフィスとキャスカをつなぐ主人公ガッツ

彼に関する物語は今のところよくわかっていないのでまた今度考えてみる

人を知らない子供が人を知っていく。というくらいにしかわからなかったので今度考えてみる

が、機能としては、キャスカを騎士ではなく女にするという点で、役割があるだろう

そして、最後。寝取られ展開だ

あの後。劇的で絶望的なまま終わるが、結局キャスカがどうなったのかはアニメの中では描かれていない

そして、1話の最初と同じく、刀鍛冶のおじいさんの家にシーンが戻る

だいぶ説明を端折っているが、もはやベルセルクほどの凄みのある作品ならば、そんなのは気にならなかった

個人的にはそういう作品は大好きだ

退屈と言われそうだが、そこに凄みがある気がする

僕は映画やアニメが神聖なもの。その成分を含んでいる必要があると思っているので、それを実現する凄みという概念が含まれたこのベルセルクも。とても良い作品だと思った

ベルセルクを見ている

このアニメはとても良いので別で記事を書くつもりだが、すでに途中まで見ていて書きたいことがあったので書く

敵を前に、斬りかかる気配を見せたところでCMに入る

CMから明けたら敵はもう死んでいた

この大胆なデフォルメは面白かった

ガッツが最強で敵を一掃するのがわかっているので、あえてその様子を描かずに、想像に任せる

しかも、これは工数削減的なメリットも大きい

作画コストの高いバトルシーンをあえて見せないことにより、描く枚数を減らしているという点だけでなく、もはや波風立てずに敵を倒しているガッツの圧倒的な力を印象的にしている

あと、わざわざ記事にしたかったはもう一つ、グリフィスのサイコパス感を表現する言動が面白かったからだ

その敵には直前に、グリフィスが報酬を渡していた

敵を倒したガッツは死んだ敵からグリフィスが渡した報酬を回収しようとしていたが、それをグリフィスは止めた

その報酬は彼らの正当な報酬で、実際それに見合う仕事をしてくれたと

だから敵の死体の傍らに報酬を残した

これについて僕は、グリフィスの圧倒的サイコパスが感じられて面白かった

人を殺すという悪事はするくせに、人の手柄を奪うという悪事はやらない

あたかも正義感満載な感じで言っているが、そんなグリフィスは人を殺している

悪事の度合いの区別がついていないところが最高にサイコパスだと思った

むしろ、人の命も報酬の金も、彼にしてみれば両方とも物だ

いや、もはや人の命は金よりも軽いと思って疑っていない

しかもそれに当の本人は気づいていないのが面白いし、それでいてまだ自分が正義だと思っているところも良い

このアニメは最初からグリフィスのサイコパス感が尖っていてすごかったが、ここにきてまたその片鱗を見てしまった気がした

TBSのドキュメンタリーだ

僕は昔から、犯罪心理に興味があり、特に、死刑囚の描く絵や言葉は、現在進行形で起こっている文明の問題点のすべての結果なような気がして、興味深く考えていた

このドキュメンタリーでは何人かの死刑囚との交流を記者が報告するような形で紹介している。

それらについて、思ったことを整理してみる

犯罪が悪いということは言うまでもないので、そのうえで、感じたことを言語化してみる

結果としての犯罪

世の中の結果として犯罪があるのだと改めて感じだ

幼少期の家庭環境が劣悪だったり、そういったすさんだ環境で育った人間は犯罪的な思想になりやすいのだと思う

それについては、社会の責任もあるのでは、と感じた

世論なんかを見ていると、犯罪者＝悪みたいな決めつけが横行している気がする

そういうのは気軽に発言して良いものでもないし、そういうものを気軽にしてしまう現代だからこその、凶悪犯罪があるんだと思う

悪いものは退ける。その結果として凶悪犯罪があるのでは、

凶悪犯罪は社会の結果としても起こりうるのだというのは、ネットリテラシーの一つとして全員知るべきだ

表現としての犯罪

表現の手段として犯罪があるケースもある

自分の主張を受け入れてもらえないから暴力で強制的に受け入れさせる

その結果はたいてい、犯罪だ

ただ、自分の主張を受け入れてもらう。というところまでは表現だ

その点、僕も物語を考えている人間なので、その気持ちは理解できる

そう考えると、自分と犯罪者の違いが法を犯しているか否かくらいの違いしかないようで、不安になる

法を犯しているか否かというのは重要なことだが、個人的には、法というのも完璧だとは思っていないし、

先ほどの話にもあった、結果としての犯罪なのであれば、僕はただ単に運が良かったからこうして善良な市民として生きているだけな気もしてきた

そういう考えがあるので、僕は犯罪に関して興味がある

塀の中の犯罪者と塀の外の犯罪者

塀の中の犯罪者はとても気持ちの整理ができていると思う

自分のやったことがどういうことかを理解しているので反省している

反省していない囚人もいるが、そういう囚人は自分の主張が整理され、一貫している

少なくとも、ドキュメンタリーでは、なぜそういうことをしたのかを説明できない人は出てきていなかった

刑務所内ではもちろん、娯楽も生活環境も、質素で最低限だ

だからこそ、自分の気持ちを考える時間が多く、結果として自分の気持ちを整理できるのかもしれない

ただ、これは刑務所の中だからというだけの話だ

その囚人がもし、刑務所の外にいたら。反省して涙を流しているようなことはないだろう

なぜならその気持ちを紛らわすものがたくさんあるから

犯罪にだって手を染め続けているかもしれない

逆に、街中で犯罪を犯す犯罪者が刑務所に入ったら、急に反省しだすこともあるだろう

つまり、環境がその時の人間に反省をさせているだけだ

それがその人の本性なのかについては何とも言えない気がした

だから何というわけではないが、

世の中には刑務所ボケという言葉もあるくらいだ

刑務所の中だからこその後悔の念だが、外に出たらまた別の人間になってしまうということもあるのでは、と思った

まとめ

このドキュメンタリーは一見すると、死刑囚を擁護するような立場から構成されている気がする

個人的にはそれでよいと思っている

犯罪に対してバッシングするのは世の中当たり前のことだ

その当たり前を認めたうえで、こういった死刑囚側にマイクを向ける映像というのは意味があるのではないだろうか

ただ、同時に考慮しないといけないのは、僕もそういう、犯罪者への理解が必要だという考えを持っているということだ

そういう考えを持った状態で見ているドキュメンタリーなので、そういうバイアスがかかった状態でこういう文章を書いている可能性もある

昔、蔦屋でレンタルして以来、久しぶりに見た

ブルーレイを購入してみた

全体的なストーリーは、にぎやかで、エンタメとしてよくできていると思った

ジブリ作品の中でも、エンタメ要素という点においてはとても分かりやすく楽しめる作品だと思う

クライマックスの飛行船の下りも、特に違和感なく見ていたが、ネットの評価などを見ると、あの展開がいらないという意見も少なからずあった

確かに、思い返してみると、あの展開が急に起こるので、そこに違和感を覚えて、あの展開に対して疑いから入り、結果。いらないという結論になってしまう人もいるのかもしれない

個人的には、キキの自信でもある空を飛ぶという機能を代替する飛行船はこの作品にのクライマックスにうってつけのモチーフだと思う

巨大だし、絵も派手になる

なので、飛行船の展開は必要だとは思うが、そこに転換するのがいきなりすぎた

飛行船が不時着したという布石は中盤に行われていたからよいとして、急に風が吹くというのもしっかりと布石として見せるべきだった気がする

あの風はあの町のあの季節によく吹くようだ

であれば、街にきてキキが飛んでいるとき、その風にあおられて失敗してしまったり、

そのわけを地元の人に聞いて、この季節にこういう風が吹く。というのも布石として説明すべきだった

たしかに。初見で見た時はそこまで気にならなかったが、あの事件が起こる原因２つのうち１つがいきなり出てきた要素なので、とってつけた感はある気がした

と書いていて思ったが、あの風は、渡り鳥と一緒に飛んでいるときの風が布石になっていたのか？

もしそうだとしたら、セリフで説明してくれないとわからないよ、

空を飛ぶトンボ

トンボはキキから見て、憧れの先みたいなキャラだが、そのキャラの好きなものが空を飛ぶことなので、そこに関してはメッセージがあるのだろう

トンボがもし空を飛ぶということに対して無関心な人間だったら、

この作品のストーリーにおける、空を飛ぶというものが、キキとその周辺だけの話になってしまう

キキも、トンボも、クライマックスも、空を飛ぶということを印象的に見せつつ物語が進んでいくので、トンボも空を飛ぶのが好きでないといけない

この作品では、空を飛ぶということが、キキとの関係を表すサインになっている

では、トンボが空を飛ぶのが嫌いな人間だったら？

それはそれで、キキが現実逃避するだけの話みたいになってしまう

空を飛ぶのが嫌いな人間と仲良くするのは、キキが成長していない雰囲気を醸し出してしまうので良くないだろう

70年くらい前の古い映画だ

戦後日本の家族の変化を描いている

前々から所々で話題を耳にしていたところで、病み上がりの暇な時間に見てみた

カメラアングルについて

個人的には、カメラアングルが一番印象に残っている

最初は、日本家屋特有の直角でユニット化された構造を生かしたカメラアングルなのかと思ったが、そうでもなかった

カメラを上にも下にも振っていない

そして、動かしていない

これは僕も良くやる手段なのでいち早く気付いたのかもしれないが、カメラを動かさないというのは、無駄な情報をそぎ落とすという点で効果的だと思っている

だからこそ僕は簡単にカメラを動かせてしまう3Dがあまり好きではないし、隙あらばカメラを動かそうとするアニメーションも、あまり好きではない

東京物語の話に戻ると、

画面のレイアウトがこの、真横にカメラを向ける。というような考え方で作っていた気がする

もちろん、あおりや俯瞰のカメラもあったが、中途半端に上を向いていたり、下を向いていたりするカットが少ないように思えた

画面を図形として配置しているようで、個人的には好みの雰囲気だった

あとは、カメラを動かさないというのも良かった

これも僕好みなだけかもしれないが、動かさないことで生まれる情報の削減も良かったし、この作品の場合は、それによって生まれる独特な雰囲気が良かった

独特な雰囲気というのは、役者の演技でもそうだが、全体的に漂う怖い、不気味な雰囲気だ

なんだか魂が抜けたような恐ろしい感じがこの作品の持つ雰囲気な気がした

そういうのを演出している要因の一つに、この、カメラアングルが規則的。というのがある気がした

独特の雰囲気について、セリフがカットをまたがない

役者の演技などがぎこちないというのは見ればわかるが、それ以上に面白かったのが、セリフがカットを跨いでいないということだ

なので、最初から最後まで一定のリズムで進んでいる感じがした

カットのタイミングに生命力が感じられない

淡々と語る役者を淡々と語るカットで作品をつくっているので、これだけの雰囲気を持った作品になるんだろうな、と思った

これに関しては、確か、メタルスキンパニックというだいぶ前の劇場アニメでも同じようなことが見られた

こっちの場合はおそらく、絵コンテの力不足で、単なる紙芝居みたいな運びの作品になっていたが、東京物語の場合は違う。そういう演出の効果を理解したうえで利用するという、高度なことをしているのだろう

1950年ごろの東京

70年近く前の東京の映像というだけでも、楽しめた

東京タワーすらない頃の東京だと思う。バスツアーでの下りで確か、皇居の向こう側にもテレビ塔が少し見えていた

東京タワーが完成した後はそういうテレビ塔も無くなったので、テレビ塔が在りし日の東京の雰囲気を感じられただけでも面白かった

あとは、冒頭いきなり個人的に興奮したのが、お化け煙突と、そのあとに映された、うしだ　の文字だ

というのも、僕は東京電機大学の北千住キャンバスに通っていたため、近くにかつてあったお化け煙突というのは知っていた

うしだというのも、牛田駅の前にある京成関屋駅から通学していたので、すぐに分かった

そういう、見知った場所の70年前というだけでも楽しかった

たぶん、あの辺りは相当散歩しているので、映画のロケ地も歩いたのだと思う

見慣れた橋があったり、同潤会アパートの中の様子だったり、そういうものを感じながら見れたので楽しかった

先ほど、桐島部活やめるってよを見たので、同じ原作者つながりで何者も見た

面白い話ではあるが、桐島部活やめるってよ程ではなかった

桐島のほうが凄すぎたというのもあるが、個人的に気になった点がいくつかあった

タイトル

この作品に、何者というタイトルは少し安直すぎる気がした

桐島部活やめるってよ。というタイトルを生み出した作家がつけたタイトルとは思えない

この作品は就活生たちが本当の自分に迫る物語だが、それはまさしく、何者かを探す物語だ

つまり、物語のテーマをそのままタイトルにしている

別に悪いわけではないが、少しストレートすぎる気がした

登場人物たちみんな揃いにそろって性格が悪い

登場人物の性格が悪いので、見る人によっては嫌な気持ちになる気がした

個人的には、性格の悪い人間を見ているのは嫌いではないので、この作品も楽しめたが、それとは別に、共感もできないし、現実感もない気がした

性格が悪い人がそろってしまうことを肯定できる設定があると現実感が出たかもしれない

あとは、なぜ登場人物の性格が悪くなったかも、掘り下げると共感できたかもしれない

そのあたりは原作では語られているところなのだろうか？

それとも、あえて掘り下げない感じにしているからだろうか

なんかギクシャクした人たちを見守るだけの作品になってしまっている

もちろんそれも面白かったし、この作品の大きな見どころになっている。

ただ、例えば、デスノートの月のように、警察官の父親に育てられたが故の過度な正義感だとか、

イケメンで頭が良いが故の他人を尊重していない感だとか、

そういうバックボーンがあまり描かれていなかったのが気になった

家がおしゃれ、広い

就活生にしては良い部屋に住みすぎでは？　と思った

2LDKくらいの部屋だ

壁のスイッチから察するに、そうとう古い建物のようだが、それでも2LDKは都内在住の大学生にしては広すぎるだろ。と思ってしまった

一人暮らしを想定しているような設定だったし、

ちょっとそこで、現実感がなくなってしまう気がした

総じて言うと

総じて言うと面白かった

気になる点はあったが、就活生特有の雰囲気はリアルに表現できていたと思う

良い実績は語るくせに、悪い知らせは語ろうとしないところとか、リアルだった気がするし、

そういう、序盤には嫌な奴っぽかった人が最後にはまじめな人間になっているところも面白かった

昨日、39度近い熱を出して、その影響で今日も本調子ではない

なので、ゴジラを見た

ゴジラは一大コンテンツではあるが、僕は、シンゴジラと-1.0しか見たことが無かった

初代は70年くらい前の作品だが、シンゴジラなどと同じような構造の映画だった

基本的にはパニック映画のような感じで、それに翻弄される人間模様も絡めつつ映画にしたような感じだ

作品のメッセージについて

初代ゴジラは明らかに、環境破壊、反テクノロジーのようなものが感じられる

それに関しては僕も全く同じことを感じている人間なので、それを上手に設定に組み込んでいることについてはすごいと思った

ゴジラは悪ではなく、反省するべきなのは人間だ

永久凍土の中に含まれていた未知のウイルスが地球温暖化により溶けだして世界を脅かすというような映画も過去にはあったが、それと同じ構造だ

作中では直接的にそれについて説教じみたことを言うわけではなく、その設定段階ですでに説経をしているという作りだ

そうするとなぜだか、映画に説教されている感覚にならないのが不思議だ

そういう映画は究極的な嫌味、皮肉なのかもしれない

説教というのは実際に言葉にして伝えるものだが、皮肉や嫌味は結果的に被るものだ

自らの首を自らで絞める様子を、私情を交えずにカメラを収めるのは説教ではないと人は感じるのだろう

人が私情によって人に干渉するのは説教だが、人の振る舞いの結果が人に干渉するのは因果応報だ

説教と因果応報の違いが、映画を作るうえで大事なのかもしれない

両者ともにメッセージを伝えるという点において変わりはないが、見る人の説教された感は違うものとなるのかもしれない

映像について

だいぶ古い映像というのもあり、CGなどは使われず、破壊のシーンは特撮となっていた

ミニチュアを作り、それを破壊したりしている

そこに、逃げ惑う人々を合成したりしているようだった

今と比べても、カメラがそこまで高機能というわけではないので、黒つぶれしている箇所、白つぶれしている箇所が目立った

ただ、それがむしろ、何があるのかわからない不気味さを醸し出している気がした

銀魂の映画で、暗闇で斬りあっているシーンがあった

そのシーンでは、音のみがよく聞こえるが、暗闇で何が起こっているのかはよくわからない

単に画面の性能が悪かっただけかもしれないが、とにかく。肝心なものを見せずに、音などの一部の要素だけで場面を語ると、見る人に想像の余地が生まれる

初代ゴジラのような画質の悪い映像では、そういう。想像力の補完が良く効いているのでは？　と改めて感じだ

それに関しては、僕は3DCGをあまり好きになれない理由の一つだ

説明しすぎるので、見る人に想像の余地を与えない

抽象的な映像はそれだけ解釈に幅が生まれるので、それを上手につかった映像はレベルの高い映像だと思っている

初代ゴジラに関しては、図らずもという感じだが、それを満たしているので、楽しく見れたような気がした

最近はジブリのブルーレイディスクをそろえている

風立ちぬも、昔レンタルで見たが、あれからしばらく経ってしっかり見てみたくなったので、ブルーレイを買って見た

印象としては、もちろんジブリ作品なので、言うまでもなく素晴らしい作品で、

作画は美しいし、見せ方も面白かった

ちょっと尺が長いのは疲れたが、それを感じさせないくらい濃い内容で面白かった

宮崎監督は昔からいろいろなものを映画に込めている人間だと思うが、今回の作品は結構、セリフで説明するカットが多かったな、という印象があった

セリフに限らず、結構説明してくれる。宮崎監督にしてはサービス精神旺盛な映画な気がした

ただ、個人的には、わかりにくい宮崎駿の映画が好きだったので、もっと難解で、繰り返し見ないとわからない感じのギミックがちりばめられたもののほうが良い気がした

あとは、この映画、クライマックスがエンタメ的ではない気がする。

そこに関しては良かったと思う

エンタメ映画のための体裁にのっとりすぎると、終盤で分かりやすい見せ場を持ってきたりしがちで、実際、過去のジブリ作品にもそういったものはあった

それは一般受けしやすい映画になるのかもしれないが、個人的には、謎を残して終わるミステリアスな映画も好きだ

そして、風立ちぬは、比較的。ジブリ作品の中ではミステリアスな終わり方をしている

ラストのシーンもたぶん夢の中だったと思う

パッケージ化されて美しいクライマックスがある作品も面白いが、無理にそれをやってしまうのが一番よくない

音楽で盛り上がりを強制的に作ったりというのは印象の押し付けでしかないので、それは映画の作り方としてはあまり好きではない

かといって、本当に上手な監督は押し付けているのを感じさせないくらいに押し付けてくる

というか、押し付けるのではなく、引き出していると言った方が良いかもしれない

宮崎監督の場合は、過去の作品だとまだ押し付けっぽいものも感じられた

そんなところで、この風立ちぬでは、クライマックスを飾ろうとしていない気がした

その潔さが個人的には、この映画の魅力に感じられた

ほかにも、地震などのシーンでの人の声を使ったSEなど、一時は最後の作品だと言われていただけあって、ほかの作品にはない空気感があった

七人の侍を見た

実は、黒澤明監督の映画を見るのは初めてだ

日本映画史上最高傑作ともいわれている作品なので、期待してみた

感想としては、やはりすごく良い出来で、日本映画最高傑作ともいわれるだけのことはあった

が、たぶん、今まで日本国内で上映された映画をすべて見たらこれ以上の作品もあるのでは、という感じだった

今まで見た映画の中で、良いと思ったのは、その男凶暴につき、ソナチネ、シャイニング、タイタニック、君の名は、という感じだろうか

そのラインナップに七人の侍は十分に加わる。それくらい良かった

が、気分によってはタイタニックも良いし、君の名はも良いし、北野武監督作品も良いし、という感じだ

画面のレイアウトについて

画面のレイアウトに一番感動した

レイアウトというか、コンテの作り方。音も含めた見せ方の面は本当にすごい

その点においては今まで見たどの映画よりもすごい気がしたし、それを７０年も前に映像にしているのは常軌を逸脱するくらいすごい

人質を取って立てこもっている盗人が斬られて倒れるシーン。倒れる瞬間だけ無音になって、しかもスローモーションだ

その見せ方は今となっては無くはない見せ方だが、逆に言えば、７０年もたって通用する見せ方を日本の映画でやっていたことはすごいと思った

現代の映画でやってもすごい演出だと思うのに、やはりそういうところは最高傑作と言えるくらいすごかった

それ以外にも、あのあたりのシーケンスは川の音で人の声がかき消されているような見せ方だった

見知らぬ人々が何かを話している。何を話しているんだろう？　という、観客の疑問を邪魔しないような音の作り方だ

それでいて、しっかりとした表現の一つになっている

この映画は脚本を見せるだけではなく、芸術的な雰囲気をまとった、劇的な見せ方が多くあった

個人的に思うのは、カメラの画面の中に被写体を収めるのではなく、被写体を陳列する。というような考え方で映画を撮るべきだと思っている

これは僕の完全な趣味かもしれないが、キューブリック監督など、個人的に凄みを感じる監督の画面は、画面を3Dではなく2Dとして、図形としてとらえている気がする

そういう見せ方が黒澤明監督の画面にもあった気がした

村の娘が土壇場で若い侍と交わった後、泣き崩れる父の向こうにこれまた泣き崩れる娘の姿が同じ画面に収まっていた

あの画面は図形として美しく配置されていた

今思えば、あの構図では、父さんと娘。結構な距離の差があるだろうからピンボケせずに撮影するのは難しかっただろう

この作品は望遠レンズの使い方が上手だったのかもしれない

70年も前に、夜の暗い場所で、あれだけ広範囲にピントを合わせる望遠レンズなんてあったのだろうか。

なければあの画面にはなっていないからあったんだろうな

やはり、制作費が普通の映画7本分なだけはある

脚本について

脚本についても面白かったが、それに関しては上の中くらいの面白さの脚本だった気がする

活劇物としては優秀で、今の時代に見ても楽しめる時点ですごいものだというのはわかる

キャラクターもわかりやすく、敵と味方の戦いという、シンプルな構図もわかりやすい

エンタメ作品として成功しているし、絵のクオリティも高いので、文句の付け所が無いような脚本だ

ただ、だからこそ、期待を裏切る感じはなかった気がする

画面のレイアウトにあった凄みが、脚本にはなかったので、そこは少し残念だ

とはいえ、凄み＝映画の価値というわけでもない気がするので、これは単なる個人的な趣味なのかもしれない

エンタメ映画としてみるならば最高の脚本ともいえるかもしれない

映像のクオリティについて

映像のクオリティに関しては、あまりこういう映画を見る人間ではないのでそこまで断じたことが言えるわけでもないが、少なくとも、大満足できるクオリティだった

落馬する武士のところなんて、本当に怪我をしていないか心配してしまうくらいの臨場感だ

というか、古い映画にありがちだが、明らかに怪我をしながら撮影してそうなカットがたまにある

白鯨という映画も、水が打ち付ける中ぐちゃぐちゃになりながら撮影していたし、

猿の惑星も。肌が露出しまくった衣装で人の背丈ほどある草むらの中を走るカットがあった。あれはだいぶ、切り傷がついたと思う

七人の侍も、昔ならではの危険な撮影が多くあり、そのために実現した臨場感なのかもしれない

実際、調べてみたが、骨折した人も何人もいるし、背中に矢が刺さった人もいたらしい

今ではそういう場面になると、VFXでやってしまおうというようなことになる

そうするとやはり、画面が寂しくなってしまいがちだ

七人の侍では、危険を顧みず撮影しているからなのか、そういう安っぽさは感じられなかった

一部、刀で斬られる人が作りものっぽかったり、刀の先でつついただけで人が倒れたりというのはあったが……、

ただ、そういて言うとこの作品の臨場感。セットとしての画面のクオリティはとても良かったと思う

ラブシーンについて

先ほど、脚本は上の中くらいと書いたが、ラブシーンの入れ方を考えるとやはり、脚本もすごいポイントがある気がした

この脚本でラブシーンが無かった場合を考えると、それはもうテンプレみたいな作品になってしまう気がした

ただ、そこに性的なテーマを加えることによって、それをこの映画の後半の柱にすることができている

つまり、裏のテーマとして、2人の愛がある

表はアクション活劇で、裏には愛のテーマ。

この２本立ては最高というわけではないが、この脚本を一つの美しいプロポーションにしているという点で、割とテクニカルなことだな、と思った

総じて言うと

総じて言うと、やはりとても良い作品だ

映画の凄みも十分感じられる作品だったし、現代に見ても楽しめる作品になっていた

最も好きな映画の一つともいえる

ただ、この記事でも書いた通り、７０年前でこれはすごい。というような見方でこの映画を見た結果、最高傑作という答えが出るというのもまた事実だ

つまり、それは映画の凄さではなく、映画の時代背景を踏まえた凄さであって、映画の凄さではない

単に映画を語りたいだけならばそういう見方でも良いのかもしれないが、それは相対的に映画を見た評価であって、僕のように。映画監督になりたい人が分析するのであれば、絶対的に映画を見るべきだと思った

そして、絶対的にこの映画を見るならば、最高傑作ではない気がする

この作品が日本映画の歴史に残るレベルの作品だという事実を踏まえたうえで評価するのであれば、この映画は間違いなく日本映画の最高傑作だろうが、個人的には、映画そのものの出来としては、断じて最高傑作だと言える感じでもない

とはいえ、そうであってもこの映画は群を抜いて良い映画だ

今後、ほかの黒澤明監督の作品も収集したい

以前見たことあったが、今回ブルーレイを買い、改めて見てみた。

備忘録として記事を書く

環境破壊に対するメッセージが強く出ているが、それを美しく物語にできているので、説教にはなっていない

環境破壊というのは、人間とオームや腐海との関係だけであって、そこからくる世界観の上で物語を進めることで、このような作品になるのかもしれない

展開をつなげていくうえで必要となるキャラクターの選択はこの、世界観にのっとって決まっていく

最初から一つの柱として、人間と自然というテーマがあるので、一貫した物語になっている

オーディオコメンタリーも見た

細かい点で、ものすごく参考になった。

その中でも一つ、改めて思ったことだが、

やはり、宮崎駿の作品はなんとなくその構成にパターンがあるような気がした

オームが押し寄せる展開は未来少年コナンの津波だし、終盤に人々が走りまわるのは他の宮崎アニメにありがちな展開だし、

メカ関係が終盤に壊れるのもありがちだ

……というようなことをオーディオコメンタリーで聞いた

確かにそうだ

主人公はたいてい、少年少女、それも思春期前になっているし、

古代兵器や巨大な飛行艇などもよく出てくる

というか、これに関しては僕も、自主制作と同じ展開を今考えている物語でやっているので、なんだかそれに関して、自信がついた

「クレヨンしんちゃん 嵐を呼ぶアッパレ！戦国大合戦」を見た

しんちゃんの映画の中ではおそらくとても人気のある一作で、僕も、子供のころに見て記憶に残っていたので、この度改めてDVDを買って見てみた

この映画は90分ほどの作品だが、体感としてはもっと短いようにも思えた

しんちゃんがタイムスリップし、野原一家がタイムスリップし、いろいろ頑張って戻ってくる

という、物語を成立させるうえで最小構成のような展開で構成されている気がする

あまり話を膨らませず、淡々と展開を重ねて構成されている気がしたので、そこまで長いと感じなかったのかもしれない

春日部防衛隊っぽい子供たちとのくだり以外に、目立った日常展開がなかったような気がする

それ以外は、又兵衛の心中だったり、当時の情勢だったり、そういうものを説明するという明確な目的がある展開のみだった

なので、この作品は比較的、無駄のない展開でぎゅうぎゅうに詰まったストーリーになっている

例えば君の名はだったら、瀧くんと三葉がイチャイチャする様子が序盤にあるが、あれはあの雰囲気を伝えられればそれでよいので、具体的にこれをしないと物語が進まない。というような仕掛けではなかった

ただ、このしんちゃんの映画に関しては、これを解禁して、次にこれを解禁して、というような仕掛けが連続し、数珠繋がりにクライマックスまで行ったような印象だ

だから、割とぎゅうぎゅうに詰まった印象だったのかもしれない

エンディングについて

エンディングは二中のファンタジー体育を休んだ女の子篇だ

もともとノスタルジーな雰囲気の曲だが、そのノスタルジーを加速させるような、BG素材のみでのエンディングになっていた

定かではないが、この曲の雰囲気を理解してこういう見せ方にしたのかもしれない

もしそうなのであれば、とてもセンスがあると感じた

展開のメモ

しんちゃんが夢を見る

しんちゃんがタイムスリップ

しんちゃんが戦国時代でいろいろ

そのころ、ひろしとみさえは心配し、いろいろ調べたりしてタイムスリップ

ひろしとみさえの話もあり、戦略結婚は断ることに、ただ、その影響で戦が始まる

野原一家の活躍などもあり、戦は終わる

最後、又兵衛が殺される

野原一家は元の時代に帰る

少し古い映画なので映像面はそこまで期待はしていなかったが、アクションも映像も派手で面白かった

上昇するエレベーターや、屋上から飛び降りるシーンなど、舞台を上手に使ってハラハラ展開を作り出しているという点がとてもよかった

多少無理をするとご都合主義っぽい感じになってしまうが、そういう感じにもなっていない

かつ、そこで起こる俳優のアクション、行動によって次のストーリーに繋がっていく感じが良かった

薄いダクトの中を張って逃げる展開で、ライターの火から漏れ出た光によってダクトの中に逃げ込んだことが敵にバレる

バレた後、薄いダクトを捜索され、銃で穴があけられる

そういう、舞台装置を使った無理のないハラハラ展開が多く、こういうたぐいの映画にしては現実的で、それでいて面白く作ることができている

エンタメ作品として、テロリストの目的が政治的な要求ではなく、金銭だという点も、配慮ができている気がした

必要のないメッセージは省くことでエンタメ要素が強まるのかもしれない

無線が電話のように使われる展開だったり、金庫の安っぽさだったり、そういう惜しい点はありつつも、総じて言うと面白い映画だった

おそらく、ダイハード２もそのうち見る

家なき子を見た

テレビドラマをおそらく見たことがなかったので見てみた

同情するなら金をくれ！　のセリフを知っていたという理由でこのドラマを見たのだが、面白かった

そもそも僕はこういう闇が深い系の物語が好きなので、やはり楽しめた

あとは、ドラマということもあり、人間が演じている。

惡の華を見た時もそうだったが、リアルな絵柄でドロドロした物をやると、こっちまでハラハラするような居心地の悪さを伝えることができる

やはり没入感はデフォルメされたアニメにはないものがあるので、そういうポテンシャルをフルに生かすことができるこのジャンルなので面白いのだなと思った

ストーリー的にも面白かった

かなりご都合主義なところはありつつも、人間が騙しあい、汚い部分を隠しながら戦っている様子が良かった

一番良い人なのはアウトローな医者

この物語で一番良い人は終盤に海外に行ってしまったアウトローな医者だと思う

猿の惑星で言うところの、博士のような立ち位置だ

基本的には悪役のような感じで描かれるが、彼の言っていることが個人的には一番正しい気がする

そして、それを言うに足りる能力もあるし、自分の力を使って有言実行もする

世界に対して自分の信じる正義をただ淡々と実行しているという点で、あのアウトローな医者が一番正しい人間な気がした

すず以外の悪い人間

あとは、悪い人間に関しては、ほとんどの人間が仕方がないことだと思った

このドラマの登場人物は過去に何かしらの悪いことが起こって、それによって変わってしまった。周りに対して悪事を働くようになってしまったという人間ばかりだ

そういう人間は善人ではないが、悪人でもない気がする

悪人というのは結果としてあるだけであり、その人がそうなりたくてなっているということでもないので、皆、普通の醜い人間だ

主人公のすずについて

対して、主人公のすずは悪人ではない気がした。が悪人に見えなかったのはなぜだろうか

それは、自分が受けた痛みを他人に向けることをしないからだ

誰かから受けた痛みを別の誰かに向けるのは醜悪な人間のすることだ

ただ、すずは違う。誰かから受けた痛みはその誰かに向けている

すずにとっての悪事は無差別な八つ当たりではなく、明確に仕返しとして描かれている

なので、すずが行った行動には根拠が感じられ、結果としてすずというキャラクターは善人のような印象になったのだろう

すべての元凶はすずの母親

あと、この物語のすべての元凶はやはり、母親にある気がしてならない

脚本のメッセージを素直に受け入れるならばの話だが、母親が変にすずと父との関係を隠さなければこうはならなかった

そもそもすずはいい子なので、いじめられなければいじめない人だ

父親を変えてしまった絵の評論家がきっかけなのは言うまでもないが、その評論家くらいの悪人はこの物語の世界にはあふれているようだった

なので、その評論家が生んだ悲しみだけであれば、ここまでの悲劇にはならなかった

ただ、その後、母が父親に関してすずに隠し事をしたまでにここまでの話の広がりようになってしまった

結果、著名な芸術評論家も亡くなり、大企業の女社長も、その跡取りも亡くなり、犬も一匹死に、すずも少年院に入り、自身も死んでしまった。

無自覚とはいえ無神経ではあるこの母が個人的には一番の元凶な気がする

悪人ではなく元凶なのがまた悩ましいところではあるが、少なくとも一番被害を拡大させたのはあの母親だと思う

展開が読めてしまう

あと、脚本的に感じたのは、展開がやはりワンパターンすぎるところだ

階段から３回くらい人が落ちてるし、犬のリュウも何回か怪我してる

社長令嬢に関するお見合い話も２回くらいあった気がする。ちょっと前に見たことあるような展開が結構あった気がした

あとは、カメラワークも劇的ではなかった

アニメに慣れているからかもしれないが、お見合い話に孤児たちで乗り込むときのカメラアングルは完全にドリフのそれだった

なのでどこかコメディっぽい雰囲気が漂っていて、なんだか惜しい気がした

そもそもこれだけ事件が起きても警察に通報することをしないのはリアリティにかける気がした

それで話が面白くなっているので良いが、ただ、いかに現実的に、話を面白くするかというのが脚本家の見せどころなのでは？　とも思った

まとめ

昔のドラマはこういう雰囲気が多いのかはわからない。この作品はとてもおもしろい作品だったので、家なき子2や、ほかの名作ドラマも今後見てみようかと思う