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悪役にバックボーンがあるか否かはとても大事だ

バックボーンのある悪役は奥が深いし、話も広がりやすい

単純で、単なる主人公の挑むべき悪として描かれるだけのキャラクターにはバックボーンがない

それだとただの悪党になるので、見る人も一緒になってそいつを倒すという目標を追うことができる

それはとても単純明快なストーリーになるが、単純明快すぎて面白くない

悪役にはその悪事を働くための動機となるバックボーンが必要だ

さらに細かく言うと、悪役はバックボーンがなければ本当に悪党にしかならない

つまり、物語の序盤ではそのバックボーンを伏せ、終盤にバックボーンを開放することにより、悪役だった人が実はそうではないという、物語の変化球を演出できる

この構図は多くの物語に使われている気がする

アカメが斬る！でもそういうものの連続だったし、フルメタルジャケットのラストもそんな感じだった

というか、ほとんどすべての物語にこの、悪役のバックボーンの考え方が適用できる気がする

人を許すということは自分が強くないといけないという言葉を聞いた

確かに、なんとなくそう思ったが、それに関して僕の中ではまだ整理しきれていないので、ここで考えてみる

まず、実際問題。人は人を必ずしも許せるというわけではない

人を許す状態と許していない状態。２種類がある

その差は何なのか

その理由の一つとして、許す側の人の強さというのもあり得るのだと感じた

許すという行為の大切さを知っているか否かの差なのだろうか

許さない心だけでは世界が回らないことを理解しているから、許すという行為をするのかもしれない

それは自分のことだけ考えている人には成し得ないことだ

ある種の自己犠牲によって集団の幸福を実現するという意味において、その人の強さと言える

だから、人を許すというのはその人の強さによるものなのかもしれない

今、前向きな気持ちだが、そういう時にあえてこの話題について考えてみる

僕は今日も指が痛くて結局ずっとインプットだけをしていた

今までCGを頑張ってきた僕に待っていた運命がこれだ

そう考えると、この世界には幸せなんてないようにも思えてくる

自分は今、比較的幸せな場所にいると思うが、そんな僕でもそこまで幸せではないのだから、この世界の幸せを信じられなくなる

そう、文字に書くことで、自分には幸せが訪れないのだという結論を再確認してしまう

この世は考えれば考えるほど地獄になるシステムだ

人間なんてしょせん、生殖の連鎖というシステムの中の一個体でしかない

ウイルスと全く同じだ

そこに幸せがあるわけがない

幸せというのはポジティブなホルモンに人間が勝手につけた呼び名だ

天と地がもとからあり、それに人間がラベリングしてはじめて、天と地が生まれた。というのと同じだ

なので、ネガティブももちろんある

考えてみればそれは、株のチャートと同じだ

上がれば下がるし、下がれば上がる

スケールの違う波が重なり合って複雑な波になる

そこで、下げ調子に生まれた魂はかわいそうだ

運よく上げ調子に生まれればよいものの、そうとも限らないのがこの世の常だ

そして僕は今、今まで頑張ってきた自分の努力が指の不調によって水の泡になろうとしてる

どのみち僕は脚本などの方面に行くことを考えていた人間なので、この件で自殺に走るような感じではないが、

ただ、やはり悲しいし、こういう運命が憎い

僕なんかは単なる暴走した新陳代謝の一片でしかないのだから、そこに幸せなんてそもそもない

そういう危ない橋を渡っている魂に安らぎがあるとは思えない

安らぎがあるとしたら、それは、ずっと変化し続ける何かをただ見続ける視点だ

だから、どうしようもなく不細工なニートになってゆっくり死んでいくのが一番幸せなのかもしれない

すべての欲を捨ててただ変化する世界を見るだけの生活だ

仏教とかではやたらと欲を捨てたがるのはそういうことなのかもしれない

精神的苦痛は自身の欲が実らないときに発生するものなので、そもそもの欲を捨てて有るがままに世界を享受し続けるのが結局のところ一番幸せだということを言っているのかもしれない

ただ、食欲や呼吸欲などは生きるうえで必須の欲なので、それが実らない苦しみもまた生きるうえで必ず付いてくる悲しみだ

だとすると何もしない場合、苦しみがデフォルトであるということでは？

ならば人間、無理して生きることないのでは、

今自主制作の途中経過をエンコード中でやることがない

なので、今聞いていた音楽について語る

一昔前のロシアの音楽、ソ連時代の電子音楽が地味に好きだ

地味に好きなだけで、ものすごく好きなわけでもないのだが、

なんだかノスタルジーな感じがするので好きだ

このノスタルジーはイエメンに感じるそれに似ている

ソ連の場合は、知らない言語と、曇った空、どこまでも続くフルシチョフカが好きだ

あとは、最近のようつべの流行かわからないが、殺伐とした画像にアニメキャラを合成した画像もこの音楽の哀愁に拍車をかけている

なんだかアングラな気分になる

この気分は、電子念仏機にも通じるものがある

ビビッドな色合い、サイケデリックさをも感じる怪しい感じがとても好きだ

行ったことはないが、昔の香港にありそうな雰囲気を感じる

日本の８０年代と言ったらなんだか賑やかで温かい感じがするが、それが遠い異国になると、寂しくなる。

そういう雰囲気を感じられるのが古いロシアの音楽というわけだ

ちなみに、実写にアニメキャラを合成するという流行も地味に好きなので一応ここで触れておく

自主制作メモの撮影処理がほぼ、1周終わった

つまり、映像に関するパイプライン構築が完了したということになる

ここからは最終品質で書き出し、ブラッシュアップを重ねる作業に入る

なので、この後もまだ少し撮影の作業が残っていることになるので、まだ完成ではない

このあと、劇伴の調整、それらすべて終わった後に音響関係、SE関係の作業を行い、公開となる

城になるかすわわからないがとりあえず城として書く

城の内部についてだ

城の内部

城は鉄でできていて、それらはさびている

一部の廊下などにはじゅうたんが敷かれている

そして、木材も使われている

壁や手の届く範囲には木材が使われていて、その上にじゅうたんが敷かれていたりする

木材は長年触れられ、つるつるしている。

結構汚れていて、遠くから見ると錆びた鉄のようにも見える

絨毯が敷かれているというのもあり、歩いてもあまり音がしない

たまに軋んだりはするが

地下室

城には地下室もある

地下室にも鉄や木材が使われているが、地下室にはほかにも、石材が使われている

スチームパンクのような機械類が並び、そこから各ドームへ配給を行っている

何百個以上のパイプが放射状に繋がっている様子が特徴的だ

ここにも子供たちが何人もいて、皆それぞれ警備、清掃、パイプラインで送る物資の梱包などをしている

それは”役割”

寸分たがわず、全く個性無く完璧に梱包する様に人間らしさが感じられない

塔

中央部には高さ280mくらいの塔が建っていて、てっぺんには巨大な時計があるが、それは動いていない

280mの塔の内部には巨大な振り子がある

それは動いていないので止まっているが、動くとものすごい迫力になるのだろう

もしかしたら、周囲のプラントはその振り子によって動くものなのかもしれない

ただ、今はその多くが動いていない。動いたら何を作りだすのだろうか

双子について

双子は城の中で神出鬼没のような感じに表れる

浮遊するし、瞬間移動する

いつも一緒に行動していて、離れることはない

ベッド

ベッドは城の中では珍しい、白い構造物だ

それは陶器でできていて、新しい人が現れた時に新しく子供たちの手によって作られる

繭のような、卵のような、細長い球形の陶器の入れ物の中に、かわいい動物の羽毛を用いて作ったふわふわを入れ、そこで寝る

これはドームの姿と似ている

子供たちがこの中で眠ることは、ドームの中で生きる子供たちと同じだ

城壁

城の周りには城壁がある

それはまん丸い形をしている。石と鉄でできた城壁だ

高さは２０mほどかもしれない

おそらく、数メートルの厚みがある

大きな門があり、おおむね、そこからのみ出入りできる

大浴場

城の地下には大浴場がある

無駄に広いお風呂で、男女混浴だ

湯舟が広いのは、お湯が無限に湧いて出てくるからだ

地下にあるということも相まって、温泉っぽい雰囲気を醸し出している

地熱によって大地のエネルギーをこの城が享受していることを示唆しているようだ

庭

庭という庭でもないが、城の中には至る所に野菜が自生している

びっしり生えているという感じでもない。ところどころ生えている感じだ

ただ、子供たちはそれを食べようとしない

というか、それを食べるという発想すらない

ただ、花と同じように、むしろ花よりも多くの野菜が生えている

種類もたくさん

子供たちは今を生きているので、特に理由がない限り、それを食べようとはしない

自主制作アニメーションを作っているが、そのタイトルをそろそろ決めないといけない

今まで何回かタイトルは変わったが、最近は意味を感じられるタイトルにした方が良い気がしている

というのも、完成につ近づくにつれ、これが人には理解されないだろうなというのがなんとなく目に見えてきた

セリフもないし、長いし

ただ、意味はもちろんあって、そういうのを感じ取ってほしい

それには、意味があるようなタイトルにする必要がある気がした

つまり、具体的なタイトルだ

今、メタフィルムには仮タイトルとして、パントマイムと入れてある

これは、無言劇、そして真似。いろいろ意味が込められてこのタイトルになっている

ただ、そういうのは今この時点で伝わらない気がしてきた

僕は映像に意味を入れるタイプの作家だが、それをまだ知られていない以上、タイトルで意味をチラ見セする必要があるんじゃないか？　と思った

今考えている例としては、鏡とロボット　だ

あとは、鏡の中のロボット、鏡とロボなど、

そういう、具体的なタイトルにしようかと思っている

ちなみに、作中に鏡は登場しない

登場しないのにタイトルにしているのは何か意味があるんだろう。と思わせるのが狙いだ

鏡の中のロボットというのが一番面白いかもしれない

この作品は実は映画の中で、それはロボットにとっての鏡だ

鏡の中をマネすることで魂の第一ステップが満たされ、第二ステップが満たされようとしたところで世界が終わる

という話だ

なので、この作品は、いわば、鏡を見た後のロボットの行動を映した作品でもある

なので、鏡の中のロボットだ。

映画という鏡、そして鏡を見た後という意味、２つの意味が若干重なって存在している

……というところまで考察してくれる人が一人でもいればうれしいが、

たぶんそういう世界観を世に知らしめるまで、よくわからないものを作り続ける作家みたいに思われたりするのかな

幸福度は相対値なので、幸せな生活を送れば幸せに生きられるわけではない

むしろ、幸せの水準が上がってしまうと些細な幸せを幸せに思うことができなくなるので、不幸になるハードルが下がる

幸せに暮らせる人間は金銭的に余裕があるので、不幸になることを回避するための選択肢が広がる

だから、お金持ちは幸せの隣に同じ量の不幸があることに気づかない

いや、気づく気づかないの話ではなく、不幸があってもそれを封じ込めることができる

ただ、本当のところは、幸せは相対値なので、幸せになればなるほど、幸せを維持するのは難しくなる

僕は今２４歳だが、お酒を飲んだことがない

数cc味見したことが２，３回あるくらいしかお酒を摂取したことがない

なぜなら僕はお酒が嫌いだから

お酒という存在が嫌いだ

理由は、お酒に渦巻いているすべてが嫌いだからだ

お酒を飲む集団は怖いし、お酒があふれる空間は不気味だし、

それについての心中を文字にしてみる

お酒を飲む場所が嫌な理由

もともと僕は、一人で静かな場所にいるのが好きな人間なので、その正反対。大勢でにぎやかな場所が嫌いになるのは容易に想像できる

ただ、かといって、同じく大勢の人がワイワイしている街中などは嫌いではない

ワイワイしている街中では、別に、僕が一人話していなくても何も思われないからだ

対して、飲み会は楽しく話すための場だ

そして僕はそういう場は嫌いだ。

話すのが好きじゃないし、そもそも話す能力もないし、だから飲み会という場にいたら僕は浮く

仲の良い仲間内と数人で行くとなると楽しく話せるのだが、そうでない限り、飲み会は嫌いだ

話すことが前提条件という条件が怖くて仕方がない。逃げ場がないからだ

飲み会という場がトラウマで、そんな嫌いな場だから話したくなくなる、だから飲み会が怖くなる。という悪循環に陥っている

そして、飲み会という場において、僕とそうでない人との違いはお酒が入っているか否かだ

いや、お酒が入っていなくてもよくしゃべる人は良くしゃべるが、ただ、お酒が入ったら基本、人はよくしゃべるようになる

つまり、お酒という飲み物によって人が大胆になる

そういう人間がわんさかいる飲み会という場が不気味で仕方がないので、それを招くお酒が嫌いだ

お酒があっても良いと思える例

お酒が嫌いな僕だが、かといって、お酒という存在自体が嫌いというわけでもないのかもしれない

例えば、お酒がある場でも、バーなどのおしゃれで静かな場所は嫌に思わない

その場は話すための場ではなく、雰囲気に浸るための場でもある気がするからだ

一人で静かにしていても違和感のない場所なので、居心地がよさそうだ

あとは、神事、祭事で飲まれるお酒も良いと思う

御奉謝みたいな雰囲気はやはり嫌いだが、そうではなく、もっと静かで神聖なお酒なら嫌には思わない

なので僕が嫌なのは、先に書いたような、お酒が招く状況なのかもしれない

先述したような理由で飲み会が怖いというのもあるし、自分がお酒を飲んでその空間に溶け込んでしまうことを考えると恐ろしいというのもある

自分がお酒を飲んだ場合の話

精神的なところから話すと、

僕は生き方で人に何かを伝えるのが好きな人間だ

自分の存在意義が、自分の生きざまを人に見せることで生まれる人への干渉だと思っている

だから、僕はそういう武勇伝だとか、エピソードをとても大切にしている

留年だって、これもまた一つの藤田将のエピソードだと思っていたのでショックには思わなかったし、

今も痛む顎関節症ですら、このような苦痛を僕という人間に課した運命に対して、いつか映像作品として訴えてやろうと、うずうずしている

そういうすべての動機は、自分という人間の行動や思想を具体的にすることに喜びを感じているからこそだ

なので、本心では、お酒は飲めないわけではない

ただ、僕の生き方として、お酒という存在に反抗するためにも、お酒を飲んだことがないというラベルは守りたい

そういう、精神的、思想的な事情があるので、お酒は嫌いだし、今後も飲まないだろう

あとは、身体的なところについても、お酒は飲むべきではないと思う

僕の父親も、お酒を飲んで2回、家から救急車で運ばれている

母親もなんだか心拍数が上がってしまう病気を先天的に持っているらしい

なので、家にお酒がある様子をほとんど見たことがない

今思えば、そういう家庭環境で育ったからこそ、そういうお酒という文化に対して抵抗があるのだろう

話を戻すと、

父親も母親もお酒に弱いので、僕も弱いだろう、

というだけのことだ

僕は水をたくさん飲んだだけでも震えてしまう人間なので、おそらく、お酒は飲まないほうがいい

酔った人を眺めるのは好きだったりする

お酒を数cc味見したことがあるが、そこまでおいしいとも思わなかった

おいしいと思わないのにあれを飲んで、いらぬことを話す人間になってしまうのであれば、それをそばから眺めているくらいがちょうどよい気がしている

そばで眺めるといっても、隣の席から眺めるのではない、5mくらい離れた位置から眺めるくらいだ

話は変わるが、僕は麻薬依存者の動画を見るのが結構好きだったりする

少し前に記事にした気がするが、その時は確か、フィラデルフィアのスラム街にあふれる麻薬依存者。ゾンビのような人々を車から撮影した動画について語った

別に、麻薬が好きなわけでもない。僕が好きなのは、麻薬などの薬物により現象と化した人間の動きだ

僕はシュルレアリスムが大好きで、それは映画やアニメの好みにも影響するくらいだ

キューブリック監督や北野監督のような、凄みのある画面にはこの、シュルレアリスム成分が含まれている気がする

シュルレアリスムはシュールと呼ばれている

この、シュールをかっこよく取り入れることで、凄みのある映画が生まれると思っている

シュールとは、一筋縄では理解できない要素全般のことを指している

その要素が映画の方向性を殺さないような感じで取り込まれていると、それは凄みとなり、作品として一つ上の段階に昇華する

魂の入った作品になっているような、そういう魅力が生まれる

というように、僕はシュールというジャンルが好きだし、それを自分でも作りたいと思っているし、人のシュールも観察していたい

そこで、路上で揺れる麻薬中毒者の動画だ

歩道でひまわりのように揺れている人間、どこから持ってきたのかよくわからない物体をつかんだまま動かない人間

その人間がなぜそうなるに至ったかを想像するのも楽しい

まるで、茹でられてぴんと真っすぐになった芋虫のような、

あるいは、無重力化で無意識に手足を大の字に広げているカエルのような、

そういう、長い歴史の中で生まれた共通項が無意識的に発現しているさまを見るのが楽しい

そこに至るということは、そこに至るための経緯があったということだ

その場においては、麻薬という存在により、理性が薄まり、経緯と結果が一直線で結ばれ、路上での結果となる

その様を想像しながら、推理しながら見れるので、興味深い

話を戻すと、

程度は違えど、お酒に酔って理性が弱まった人が何をするのか、興味がある

そこには人間の器だけがあって、鳴門海峡の渦潮のような現象として、肉体が動いて言葉を発している

それは、経緯が直接出力された光景だ

その光景は人を見ているというよりも、摩天楼を見ているときの楽しみに近い気もする

経緯の繰り返しで形成されたビル街を眺めるのと同じように、その人の人生の歩みと数万年の人類の歩みがその人の振る舞いに表れているんだなと思うと、とても興味深い

とはいえ、お酒という文化は嫌いだ

なので、唾が飛んだり、匂いが漂ってきたり、話しかけられたりしないくらいの距離。5mくらいの距離でその様子を観察してみたい

余談

お酒が嫌いな気持ちは裏返すと、イエメンが好きな気持ちにつながる

僕はイエメンという国が好きだが、その理由の一つに、お酒が無いからという点が挙げられる

イエメンは厳格なイスラム教らしく、お酒を国内に持ち込むことすらできないらしい

ここまでの話を踏まえたうえでそのことを考えると、もはやイエメンは天国のようだ

今、国内では紛争が続いているようなのでそういうことは一概には言えないが、

ただ、お酒がないという環境はそれだけで人生を過ごすうえでの理想郷なのでは、とも思える

このアイデアは、集団の一人としての人間が、自分の生きる意味について問い直せる作品にしたい。という気持ちから生まれた

ここ数日考えている

ただ、いろいろ考えていくうちに、やはり、魂とは何かとか、そういう根本的なことに傾いていっている

ひとまずここでは現時点での構想を抽象的に記す

人は生まれながらにして何かの使命を持っていると思いたいところではあるが、実際にはそうとも限らないし、使命を全うできるわけでもない

そればかりか。使命が何かすらわからずに死んでいく人も多い

そういう世の中が悲しいとは思いつつも、仕方がないことだとも思う

それを見つけるのは難しいし、そもそも見つけないでもなんとなく生きていける社会だ

なので、そこまでの問題でもないのかもしれない

ただ、とはいえ、実際問題。自殺してしまう人もたくさんいるし、生きがいを感じていなさそうな人もちらほら見受けられる

そういう状況にせめて、自分の生まれた意味、人間はなぜこうして自我を持っているのか、自我は我々にどういう苦しみと楽しみを与えるのか、

というのを自問自答するきっかけになるストーリーを作ろうと思った

ここからはまだ検討中なので断片的に記す

ドーム

ドームは卵だ

人間の原型がその中にいて、その中で一生を終える場合もある

ただ、主人公はその中で自分の存在意義について疑問に思い、ある種の信仰を獲得して、卵から出てくる

自分で殻を破って出てくる

城

城はすべてのドームに生きるためのあれこれを送る施設だ

ドームと城は需要と供給の関係で、これは世界経済を暗示している

そこで永遠に繰り返される御恩と奉公になんの意味を見出せるのか、

そこに本当は意味なんてない

だからこの物語のクライマックスは、その意味の無さに子供たちが気付き、新しい世界を見つけて時間を進めるところにある

映像を見た人たちはこの世界になんの意味もないことを悟るだろうし、それに打ち勝とうとする子供たちを見て、自分たちの状況と重ねるのでは？　と思う

それこそがこの作品を作る一つ大きな意味になっている

かわいい動物

直径３０センチくらいのふわふわした浮遊する動物

ふわふわしているのでかわいい

このかわいい動物は自然の象徴だ

自然のメタファーだ

羽をむしって皮を裂けば外見からは想像つかないほどに真っ赤な血肉があり、それはおいしく食べられる

水分補給もできる

子供たちはそれを加工して食べている

ちなみに、子供が死んだら、このかわいい動物に食わすことで、弔われる

中国の奥地で行われている鳥葬から着想を得た

この世界の子供たちも、空に帰りたいのかもしれない

子供たち

子供たちはわりとそのまま、人間を示している

ただ、年齢は１２歳ほど、異性を意識する直前くらいの年頃というのはこだわりたい

そしてその子供たちには時間という概念がないので、いつ生まれたかもわからないし、そもそも生まれるという概念すらない

主人公以外はそういう子供たちだ

そこに主人公が現れる

主人公に芽生えた羞恥心や闘争本能などの人間味はその子供たちに波及し、最終的には自然から生きる意味をとり戻す

双子

双子は管理人

かわいい動物が集まってできているので、双子が消えるとき、かわいい動物になって空へと消えていく

かわいい動物は自然の象徴、つまり、双子は自然を具現化、奇跡、神。話せる自然。

言葉を子供から子供に瞬時に移したりする

基本的には子供たちには干渉しないが、カリスマ性があるので子供たちはそれに従順だ

それはまさしく自然であり、良くも悪くもルールだ

この無言のルールに縛られて子供たちが永遠に同じことを繰り返す

野菜

野菜はかわいい動物とは対ぐうのような関係にある

野菜は子供たちが作ったものだ

つまり、自然から人間が作ったすべてのメタファーだ

人間が自然を制御し、自らの意思で種をまいて収穫する

それは現代文明のすべての営みの根本で、そのメタファーだ

最後に野菜の花束を誰かに送るのは、花のような外見の価値ではなく、食べれる贈り物として、この作品の世界観を物語る仕掛けだ

その他

この作品はまだアイデア段階なので、一応細かい構想は伏せておく

どこで公開するかもわからないし、人が登場するので、だれかメンバーを募るなりしないといけなさそうだ

どこかに企画を持ち込むなり、お金をもらってくるなり、いろいろ考えているが今のところはどうなるかわからない

ひとまずは今作っている自主制作を完成させた後、どこかに企画を提案してみたい

というわけで、とりあえず具体的には伏せておく

ただ、一つ言えることは、この作品は今のところ、キャラの雰囲気から世界観から色味まで、すべて僕の頭の中で完成している

特に、作品の持つ雰囲気、アニメで言うところの色はとてもよく、僕の大好きなノスタルジーな雰囲気を強く感じている

砂漠、子供たち、今思ったが、これはイエメンだ

イエメンの砂漠の中にあるジバームだ

僕はイエメンが大好きで、何回かその国について記事を書いた

詳しくはその記事を見てほしいが、イエメンという国には強烈なノスタルジーを感じる

いまは渡航禁止なのでいけないが、お金と時間と健康が確保できたら行きたい

イエメンは宗教上の理由により、女性がほとんど外出していない

男だけの砂漠の街、僕の嫌う変化がない、時間がゆっくり流れる国な気がする

そして、僕の嫌いなお酒もない。宗教上の理由でだ。酒屋的などの店はないので、健全でさわやかでさらさらした印象だ

イエメンについては語ってしまいそうなのでこの辺にしておくが、とにかく、この物語は僕が持つイエメンへの雰囲気をなぞって作られている気がする

というか、今考えているほかの脚本も、どこか砂漠っぽい気がする

これは今後の作家性に繋がってくるのか

今考えている作品も砂漠の中だ

完全な砂漠でもなく、サバンナみたいな感じだ。砂嵐が吹いていたりする

そういう寂しい世界で、ドームの中に閉じ込められた子供たちと、双子の存在

そこからアイデンティティを獲得して自分たちの歩みを進める人間の姿

そういうものを描きたい

ロボットアニメで思い浮かべるのはエヴァンゲリオン(テレビ版)だが、あの頃の作画を思い返すと、安っぽくはなかった

3DCGが使われていないからというのもあるだろうが、それはクリティカルな答えでもないと思う

3DCGが普及してきたことにより、レイアウトも特に何も考えずに作ることができてしまうようになった

例えば、ロボットが歩くシーンで、セル画時代は接地面を映しているカットが少なかった気がする

ただ、3Dが生まれてからというもの、接地面を映すのは大変だという制約がある程度取り払われたので、そういうレイアウトを描いても特に問題にはならなくなった

いや、セル画時代もデジタル時代も、例外はあって、接地面を映すか否かはどの時代でもあったりなかったりかもしれない

ただ、少なくとも、接地面を表現することに関して昔と比べて難易度が下がった気がする

そして、ロボの接地面を映すカットは個人的には良い風に働かないことがほとんどだと思っている

ロボに限らず、キャラクター全般に言えることだとは思うが、

接地面によりつながったロボットと背景はその位置関係が明確になってしまうので、視聴者に想像の余地を与えないことになる

マスクをしたら美男美女に見えるのと同じだ

アニメの画面は必要のない情報は徹底的に排除すべきだ

その点、昔のセル画は取捨選択しないと空間を表現できなかったので、必然的に無駄のないレイアウトになることが多かったのでは

僕はアニメの現場にいない人間ではないので一概には言えないが、昔は技術的な制約により、洗練されたレイアウトでないと映像化できなかったため、メカが安っぽくなっていなかったのでは

それに対して今は違う。何も考えなくても画面が作れてしまうので、安っぽい画面が出来上がってしまいがちだ

もちろんすべてのアニメがそうというわけではないが、見ていると、レイアウトに不必要な情報が混じっているカットが多い

そういうところもセル画アニメが良かったと言われる一つの要因なのかもしれない

あとは、細かいところで言うと、

ベジェ曲線的なアニメーションが多用されることで、動きに重量感がなくなっている

3DCGとはあまり関係のない話かもしれないが、何かのアクションの最初から最後までを一つのカット、一つのカメラで見せようとしてしまう

というようなところもあるだろう

あとは、状況説明的なカットも、本当に状況説明しかしていないようなアングルになってしまていたり、

近年のロボットアニメの安っぽい感じはそういう、3DCG含め、作画のデジタル化によって起こっている気がした

脚本で生きていくにはどうすればよいのだろうか

今、3DCGで仕事をしているが、指が痛く、一生続けられそうにはない

だから脚本を書きたいというわけではないが、

脚ほにゃプロットを考えている時間が一番楽しい気がする

もともとは3DCGも、監督になりたくて始めた趣味だ

自分の頭の中にある世界を表に出したくて始めた

今はそれが仕事になり、お金を稼げているので良いのだが、先述したように指も痛いし、脚本もやりたい

脚本は世界を作るという点において、3DCGの上位互換だ

3DCGが外側を作る作業だとしたら、脚本やプロットは内側、あるいは内側と外側両方を作る作業だ

僕が人生をかけてやりたいのは世界を作ることであって、映像を作るということではない

映像を作るというのは世界を作るという行為を具体的に言い表したものなので、本質的には違う

おそらく僕は一生映像を作り続けるとは思うが、その裏にあるのは世界を作りたいという欲望だ

というわけで最近は脚本を作りたい。プロットも作りたい

というか作っているし、そのためにアニメを毎日10話くらい見ているし、映画も見る

そして練習としていくつかプロットも書いている

この原案はいつか作品になるのだろう

そういう日を夢見て今日もいろいろ考えている

安っぽい作品を今までいくつか見てきた

作画、撮影、背景、そういう絵柄が安っぽいから作品が安く見える。というのも一つあるだろう

それに関しては誰しも理解できることで、単純にチープな見た目だからチープになるということだ

ただ、それでは語りつくせない安い作品があるのも事実だ

例えば、残響のテロルという作品は、面白かったが、安っぽかった

作画は良いほうだと思うし、レイアウトも良かった

お話もスケールが大きいし、いろいろなギミックもあって楽しかった

が、なぜかそのアニメには安っぽさが漂っていた

それは、展開や脚本面での安っぽさだ

そしてその理由は、お話を考えた人の引き出しの少なさにあると気づいた

序盤にテルミット反応を用いた事件があったが、なんとなく、そういうのはググればたどり着きそうなネタだ

爆弾がどうのこうの、や、天才的な子供たちがどうのこうの、など、

なんだか昔からこすられ続けてきたような要素だ

引き出しの数が多いというのは、世の中に対する知識が多いということだ

並の人間ではたどり着かないような場所にある情報を使って作品を作っていなので、作中の情報として目新しさがない

だから、どこかで見たことあるような。そうでなくても現実離れしていない、劇的ではない。そういう仕上がりになってしまう

この記事を書こうと思ったきっかけが、先ほど、君は彼方という映画を見たからだ

君の名はをもじったような映画だが、君の名はのような具体的なモチーフが出てこなかったので安っぽかった

君の名はではなぜあの物語が成立したか、それは、今この記事で書いている引き出しの数的な視点から分析するに、具体的なモチーフがたくさん出てきたからだ

口噛み酒、片割れ時、

それ以外にも、神社での舞のシーンは、その振り付けにも意味がある

糸守の美しい地形も、過去の隕石衝突を物語っている

三葉がつけている紐の髪飾りも、宮水家の家業、映画全体のメッセージとつながっている

安くない映画。というのはそういうのがしっかりしている映画だ

君は彼方含め、世の安っぽい作品にはこれらがない

キャラデザ、メカデザイン、脚本、

そういうのは本来、互いに密接に影響しあって出来上がるものだ

ただ、安っぽい作品はそうならないから安っぽい

君は彼方に出てくる登場人物のデザインにはそういった説得力はなかったし、

そもそも和なのか洋なのか、それ以外なのかといったような最初に決めるべきことも決まっていなかった気がする

それらを結びつけるのが、引き出しだ

新海誠監督は全国の伝統的な祭事が好きなようだ

だから、口噛み酒や、片割れ時など、説得力のある設定を作ることができたのだろう

君は彼方の雰囲気自体、悪いとは思わないが、それを補強する具体的な設定がなかったため、安っぽくなってしまった

そして、ほとんどの作品がそういう安っぽさをはらんでいる気がする

具体的でないので、作り話としてグラグラしている。

物語を作る際、大切なのはいくつかあるが、この記事で、その中にもうひとつ、引き出しの多さからくる具体的な設定。というものがあることを知れた

最近は脚本方面に進むためにいろいろ活動をしているところなので、今後生かしていきたい

地球温暖化はもう歯止めがかからないので、そう遠くはないうちに人類は終わる気がする

僕はまだ２４年しかこの世にいない人間なので断じて言えるわけではないが、ただ、２４年でこの変わり様なのであれば、２４年後の地球がどうなっているのかは想像できない

人類が終わるといっても一気に終わる感じではないだろうが、

先進国では特に、少子高齢化も相まって、より一層わかりやすい形で衰退するだろう

次の世代に渡せる地球はもうない

東京なんかは、しばらく人口が増えたのち、人口が減りだして過疎化する

そのころには地方も大して人がいないので、殺伐とした感じのひび割れた道路がただあるだけの土地が広がるのみになる

猛暑でもはや人が住めなくなる

わざわざ辺鄙なところに住めるような贅沢な国でもなくなるので、一か所に集まってつつましやかに暮らすことになるだろう

地方路線は途中駅が廃止され、始発駅と終着駅のみになる

おんぼろの車両が一日数往復運行されるのみだ

なぜいきなりこういうことを書き出したか、

それは、そういう世界観の脚本を作ってみたくなったからだ

最近は指と手首が痛く、blenderができていない

というか、もうできないと思う

というわけで、最近は脚本のことばかり考えている

今、練習がてらいくつか考えているわけだ

その一つに、こういう、終わった日本を舞台にした作品を考えている

アニメには良い脚本、良い作画、良い音楽。いろいろ必要だが、その中でも割と重要なのが、良い雰囲気。だと思う

良い雰囲気というと抽象的だが、

具体的な雰囲気、特色ある雰囲気、アニメというコンテンツ全体のデザイン。性格、色。

そういうようなものが必要な気がする

作品が完成した後のことを考え、その雰囲気を想像する

エヴァみたいな、独創的な作品を作るために、何をすべきか。それを最初に作品の色としてしっかりと決め、それに従って世界観、脚本までもを作る

そうすることで色のある作品になるのではないだろうか

Sonny Boyでは、そういうカットのオンパレードだった気がする

この作品で伝えたい雰囲気がそのまま黒背景、影と線の少ないキャラ。アナログ背景。

そういう絵として表れているので、このアニメには色がある

あとは、映画大好きポンポさんもそんな感じだった

カラフルな背景に、漫画っぽいキャラ、アメリカという舞台。

それらが相まってあの、色のあるアニメ作品が完成していた

ジョジョもそういう魅力を含んでいたかもしれない

あの独特なファッションとジョジョ立ち、渋いオープニングとエンディング

そういう、色を持った要素が組み合わさって、作品全体の色になっていく

映像研には手を出すな！もそんな感じだった

作品を総合的に見て、作品自体のキャラが立っているか否か、

というようなことで言い表せる

そういうのが作品の色と言えるが、それが弱い作品も多い

特に、深夜の量産型萌え日常アニメなんかには、あまり特色のある色を感じられない

これに関しては、昔のアニメのほうが、特色のある作品が少ない気がする

昔のスポーツアニメなんて、どれも同じ色だ

最近のスポーツ系アニメとかだったら、おしゃれ系、さわやか系、熱血系。いろいろあるし、それに応じてOPED、次回予告、マーケティング、そういうのまで工夫してプロジェクトとして色を付けている

それは、脚本だとか、キャラデザだとか、世界観だとか、そういう、表面的で単純な話ではない

それ以外の要素が相まって、全体としての雰囲気が生まれるか否かの話だ

例えば、エヴァンゲリオンはフォントですら作品の色にしている

邪神ちゃんとかだと、クラウドファンディングという、作品の外の要素すらも作品の色になっている

これはトータルコーディネートだ

トータルコーディネートという言葉がすごくしっくりくる

アニメを一つのプロジェクトとして考え、それが完成した姿を妄想する

その雰囲気にたどり着くにはどういう要素を組み合わせればよいか、を考えるべきだ

でないと、プロジェクトとしての世界観は生まれない

その点、今作っている自主制作ではあまり実現できなかったので、そこは反省だ

かといって、次の作品で実践できるかといわれると何とも言えない

とても難しいことだからだ

その点、エヴァは本当にすごいと思う

庵野秀明展で企画書を少し見たが、もうすでに企画書の段階からエヴァンゲリオンだった

初号機のデザインすらまだ未定の段階でも、庵野監督にはあの雰囲気が見えているようだった

つまり、企画を作る人が序盤にやるべきなのは、何を伝えるかだけでなく、どういう雰囲気で伝えるかなのではないだろうか

序盤に。と書いたのは、それらが同時進行で行われる気がするからだ

つまり、何もないところからエヴァンゲリオンの雰囲気は降ってこないが、脚本や伝えたいテーマがないとエヴァンゲリオンの雰囲気も生まれない

プロット、脚本、メッセージ。そういうものを考えるのと同時に、作品の色も決めていく必要があるのだろう

それらを行き来しながらプロジェクト初期は進んでいく気がした。

そして、今僕が考えている物語はそういう色が重要になってくると思っている

王立宇宙軍的な、別次元の世界のデザインをしっかりと作る必要がある

ここに書いた色の話をまたかみ砕いて、企画を考えてみたい

P,S,

マインドマップのような、そういう感じで管理するのが適している気がした

例：エヴァンゲリオンの場合

クラシック音楽、極太明朝体、高度なテクノロジー、グロテスク、セカイ系、少年少女、ビビッド、白と黒、コントラスト

指が痛いので２日間休んで旅に出ることにしました

僕は仕事依存症なので、そうでもしないと仕事から逃れることができません

１日目は東京から米原に行き、大阪に行き、奈良に行き、京都に行き、敦賀に行って富山に行く

ただ単に移動するだけの一日だ

今は外も暑いのでそれくらいがちょうどよいと思ったのと、前回の旅で、米原から姫路までの車窓を見損ねたため、それをもう一回見てくるという目的もある

その場に行かないとわからない雰囲気、発見はたくさんあるので、それを見つけに行きたい

あとは、サンダーバードから琵琶湖を見たり、開通したての北陸新幹線に乗ってみたり、いろいろやりたいことがあるため、電車に乗るだけの日程になった

２日目は富山から立山黒部アルペンルートを通って東京に帰ってくる

新しいカメラなども買ったので、素材も調達できれば良いなと思っている

指が痛いので手短に書く

もののけ姫を見たときに、アニメは動く絵本であるべきだと思った

映像は現実を模倣するものではなく、デフォルメするものであってほしいので、それを満たすためには映像は動く絵本のようでないといけない

では、動く絵本を3Dで表現したいとなった時、どうすべきか

動く絵本というのは印象を抽出した画面という意味で、アニメのことを指すことができる

その点、今のセルルックCG界隈はまだ始まってすらいない

なぜなら僕がここまで書いてきた、アニメの本質的価値を言語化できていないから

それを言語化して初めて、アニメを真の意味で3D化する準備が整ったといえる

それでもアニメが印象的な画面を実現できているのは、以前ブログ記事に書いた、工数削減とデフォルメに一致する部分があったからだろう

今後はアニメが蓄積したデフォルメの文化をCGに落とし込まなくてはならない

僕はもう体が限界に近い。少なくとも今後ハードワークをするような生き方はできなさそうだ

なのでこうしてブログ記事で文字を書くくらいしかできない

まず、この作品を作った動機について、

言いたいことを言うために作品を作っているわけではない

それは過程であって結果ではない

僕が求めた結果は、言いたいことを言うということではなく、自主制作を作ったという事実そのものだ

つまり、これは儀式みたいなもので、僕がこの映像を作ることは、僕が次のステップに進むために必要なことだった

それは、自分という存在を証明するための作品でもあるし、自分がスキル的にも成長するためのものでもある

それを実現するために、言いたいことを言う映像というのを作ろうとした

では、その言いたいことについて、

僕が言いたかったのはおおざっぱにい言うと、反文明、魂のメカニズム。その２つだ

まずは反文明について、

人類が地球上でやってきたことは総じて言うと悪でしかないが、それは人類が加害者ということとは少し違う気がする

人類が道具やらを発明して生産し、捨てることで地球は傷つけられてきた

いくつもの種を絶滅に追いやり、遺伝子もいじり始めている。

そういうのを聞くと人類は悪い存在かとも思えるが、それは人類が望んでやったことではないことを考えると、必ずしも悪とも言い切れない気がする

人類が生きるうえでの共通項を実践してきた結果、地球を破壊してしまったということに過ぎない

つまり、本当に悪いのは人類に課せられた運命では？

犯罪者だって、幼少期の劣悪な環境の結果、犯罪者として扱われてしまったともいえる

裁判でも減刑されたりしている

それは、犯罪者自身の悪の心だけで犯罪が起こっているのではなく、その悪の心を戒めるように育てることができなかった大人の責任もあり、周りの環境による結果としての被害者ともいえるからだろう

人類はそうしないと生き残れなかったし、だれも地球を悪くしようと技術を発達させたわけではないだろう

ただ、身の回りの生活を良くしようと心掛け続けた結果、こうなってしまっただけだ

あとは、似て非なる問題に、自殺。人間社会の生きづらさの問題もある

人間は知能が発達した動物なので、生きるのに関係のない苦しみも認識してしまう

頭がよくなればなるほど、知らなくてもいい事実に苦しむことになるし、ありもしない事実に苦しむというようなことすらも人間にはある

そういう苦しみを認識できる知能はいろいろなことを生み出せる反面、苦しむ必要のないところで苦しむような、生き地獄を生む可能性もはらんでいる

反出生主義という考え方もあるが、それに近いかもしれない

人間は生まれたくて生まれてきたわけではなく、ただ気づいたら生まれていただけだ

そんな人生で苦しむ人がいるのなら、これほど残酷な話はない

その点において、人間は運命の被害者ともいえるのでは？

というのが長い長い前置きだ

人類はいろんなものを生み出した悪の根源のようであって、ただ同時に。人間は運命の被害者でもある

では、物語の主人公に、人間が生み出した道具であるロボットを選んだら、面白い物語になるのでは？

ロボットから見たら人間は生みの親であって、同時に、永遠の労働を課した悪の根源でもある。

ただ、そんな人間も同時に、運命に苦しめられた存在だった

この２つをカメラに収めるだけで物語は生まれると思ったので、今回はそれを伝える物語にしたわけだ

そして、２つ目、魂のメカニズムについて、

僕は魂についていろいろ考える人間だ

僕自身が体が弱く、魂に対して疑問視しているような人間なので、日ごろから考えている

今も、右の指と左の肘が痛い

そんな人間なので、魂という存在にスピリチュアルなことを感じることもない。完全に現象の一つとしてみている

魂は単なる認識が生んだ事実でしかなく。それは構造としては鳴門海峡の渦潮と同じようなものだ

という話は別でしているのでここでは割愛する

魂が生まれるメカニズムをこの作品では伝えたかった

魂(自我)が成立するためには２つの段階、条件が必要になる

一つが、自という概念の認識、

そして次に、他という概念の認識だ。

世界が観測できたとき、初めに、自分と世界との境界が生まれる

鏡を見て自分という存在を見て理解するのかもしれないし、自分の体が世界に干渉している様子を見て、自分という器を知るかもしれない

そういうことを経て単なる情報の漂う場でしかなたっか世界に、情報の渦とそうでない部分という、２つのエリアができる

それは初期の魂で、嘘をつくこともない。騙すこともない。他を欺くという行為を知らない

そもそも他という概念がないので当然だ

そこに、第二段階、他という概念が生まれると、魂はもう一つ次の次元に行く

自分が世界に干渉しても、その干渉が反射ではなく、屈折によって帰ってくるような存在に出くわす

そうすると、世界には自分以外の魂の領域があるということになるので、欺く、騙すのようなことが生まれる

これが今の人間だと思う

ちなみに、今回の作品で描いた魂は第一段階の魂だ

第二段階に移行しようというところで物語が終わる

この、魂のメカニズムに関して、今回の作品では大まかに描いた

そういうのを人類が滅んだあとの宇宙船。という舞台で、映画館の警備ロボという主人公をもとに描いたのが今回の作品だ

これをどう言った形で公開するのかはまだ未定で、正直、見せるのも恥ずかしくなってきたのでどうしようか悩んでいるところだ

少なくとも誰にも見せないのは悲しいので、ひっそりとどこかで静かに公開するか、限定公開で見てもらうか、もしくはホームページのみで見れるようにするか、

あと、直近の話だと、すでに別の作品のアイデアが固まりつつあるので、そっちも頑張っている

指も痛く、顎も痛く、文字を打つのさえも痛い感じです

７月に入って忙しさが落ち着くと思いきや、落ち着かなかった

先月は２つの大きなお仕事に１つの小さなお仕事+自主制作の追い込みでだいぶ忙しかった

それくらい忙しいかというと、指が痛くなるほどだ

ちなみに今もまだ完全には治っていないので、今後どうしようかは対策が必要な気がする

今もその忙しさはまだ続いていて、締め切りがもう少しである感じだと思われる

自主制作は近々、いったん脚本の会社の方々に見せることになっている

それに向けて追い込み中だ

というわけでTwitterは更新できていないし、ブログも更新できていない

タイリングテクスチャをリピート感なく敷き詰める方法はいくつかあるだろうが、この度、またひとつ面白い手法を思いついたので共有する

例えばこのようなテクスチャを平面に張る場合を考える

何も考えなしに張り付けてこんな感じになるだろう

１つの画像だけであればこの通り問題ないわけだが、これが何個もリピートされるとなると、話が変わってくる

UV展開をし直し、リピートさせた

このテクスチャはシームレステクスチャのため、リピートはできる

が、見ての通り、リピート感が目立ち、使えたものじゃない

これを解決するにはいくつか方法はあるだろうが、こういう時に有効な手段を今回思いついた

テクスチャはシームレスで、かつ、四隅がタイルの区切りになっている

だとすれば、そのテクスチャをランラムに回転させればいい感じにリピート感がなくなるのでは？

ということで、これをノードにより実現してみる

ノードは現在こんな感じだ

UVから出てきたベクトル情報をもとにテクスチャがマッピングされている

まずはここにスナップを追加してみる

すると、ベクトルの増分がスナップにより段階的になる

ここではXYZそれぞれに1を設定しているため、1増えるごとに次の数、というような増え方になった

これはUVの画像の範囲と一致する

UVは0-1で一区切りのため、この正方形の四角の隅はこの時、テクスチャの隅と一致する

そしてここに、ホワイトノイズをつなげた

これにより、先ほどの段階的に増えるUV座標が0-1のランダムな数に変換される

さらに、ホワイトノイズから出てきた値を再びスナップする

数値は0.25だ

これにより、0、0.25、0.5、0.75の数値を持ったUV展開と一致する領域が平面上にマッピングされた

これをもとにテクスチャを回転させてやればいいわけだ

テクスチャを回転させるために、ベクトル回転を追加した

これにより、テクスチャを回転することができる

その回転度合いを、先ほどの四角の領域で、90度ずつ回転するようにすればよい

つまりこういうことだ

スナップから出てきた数値は0、0.25、0.5、0.75なので、それに360を乗算して最大で270度回転するようにする

それをラジアンに変換し、テクスチャの入力を回転させる

ちなみに、乗算に中途半端な値を入れるとこうなる

先ほどの四角の領域ごとにテクスチャが回転しているのがわかる

ついでに、これらのノードをノードグループにまとめてみた

場合にもよるが、これを通せば、リピート感を大きく減らすことができる

入力はベクトルならなんでも大丈夫なので、ジオメトリの位置でも同じく入力にすることができる

あとは、テクスチャの補完を近接に変えると、よりきれいにテクスチャが張られる

厳密にいえば、この方法はシームレスではなく、たまたまテクスチャの端が要素の端になるときのみに使える

ただ、テクスチャによっては今回の紹介のように、十分使える技術だと思うので、なんとなく、ここで静かに公開しておく

今、脚本を考えていた

今のところという感じではあるが、おそらく。復讐をテーマに取り扱う作品になる気がする

復讐の連鎖は悲しい歴史を生む

どこかでそれをやめる人たちがいれば終わることなのに、そう簡単にはいかない

集団としての人間はそこまで賢明ではないので、戦争も終わらない

という現実世界の嫌な部分を物語に落とし込み、心のきれいな人たちが復讐の連鎖を断ち切る様子を描きたい

今のところはそこそこ物語のアウトラインができつつある

それはもちろん、今後作り替えていくものではあるだろうからここではあまり明かさないが、

今のところは面白そうな作品になる気がする

5年くらい前、2019~2021ごろにかけて作っていたフォトバッシュたちの、下地の画像が出てきたので公開しておきます。

ここにグリザイユ画法の要領で手描きの着色をして作品にしていました

この後、blenderに出会って、作品を3Dで作るようになります

ただ、今見ても、これらの作品は見ごたえがあってよい感じだ

3Dでは何かと作るのが面倒なので凝った形状をすることができないが、こういうフォトバッシュだと、写真を切って張るだけなので、簡単にいろんなものを詰め込むことができる

今後、自分が手を動かさない時代が来た時には、こういうフォトバッシュの世界観を映像で表現したい

メカデザインの良しあしを考えると、脚本にも通じる知見を得ることができる

まず、メカデザインの話をすると、

僕は一応留年したとはいえ、プロダクトデザインの研究室を出た

機能が見せる美しさというのはプロダクトデザインの醍醐味だと思っている

そしてその醍醐味は脚本においても同じだということは少し前の記事でも書いたことなので端折る。

この記事で言いたいのは、全体のプロポーションが悪いと、全体的にバランスの悪い印象の作品になってしまうということだ

これはメカデザインに例えるとわかりやすい

アニメ、ゲーム、映画を見ていると、たまに、プロポーションが悪いデザインが出てくる

特に、車、戦闘機、ロボット、宇宙船のなどの、指向性のあるメカに当てはまる

明文化するならば、先頭の形の割には後部が短い、小さい。もしくは大きい。

というような感じだ

この先頭の形ならもっと全体が長いほうがいいだろ

と思ったりするのは大体。全体のバランスが悪いからだ

つまり、先頭の形というのは一見全体には関係ないように見えて、実は全体のサイズ感などを総括する重要な部分だということだ

そしてこのことは脚本にも当てはまる

始まりがなんとなく壮大な物語が10分くらいで終わってしまったら、なんだかバランスが悪い

逆もまたしかり、２時間の長編映画の終わり方があっけないとそれはおかしな印象になる

これは抽象的な感想などではない。バランスの悪いメカデザインと同じように、図形として具体的にな裏付けのある違和感だ

だから、土台からしっかりと考えて作らないといけない

１０分のショートアニメならばそれを踏まえて見せるべきだし、２時間の長編映画ならそれを踏まえて見せるべきだ

個人的には、今のアニメ映画のほとんどが、ショートアニメと同じような始まり方をするのでなんか物足りないなと思っている

始まり方は映画本編の長さを潜在的に観客に伝えるものなので、終わりまで考えて作らないといけない

タイトルコールを出すタイミングには気を配るべきだ

メカデザインに例えて考えるとわかりやすいことに気が付いたのでメモしておく

仕事が行き詰まって手につかない。

なので、気分転換に自主制作について語る

例えばこのカット、カメラは望遠の固定になっている

あらかじめフルHD*1.5の画質でレンダリングし、Aeで平行移動させるつもりだ

こういう工夫により、カメラワークが2D的になる

そして、カメラワークが2D的になるということは、画面に余計な情報が載らないということだ

わずかな手振れでも、画面が一気に立体的になってしまい、印象が3D的になってしまう

そして、その3D的というのは、安っぽさに直結してしまう

デフォルメがされていないということになるからだ

エンタメというのは現実のデフォルメで、僕はそのデフォルメは多いほうが良いと思っている

時間軸をデフォルメすればカットになるし、

パースをデフォルメすれば2Dの絵になるし、

人間をデフォルメすればアニメキャラになる、

そして、カメラワークを2D的にすることもまた、デフォルメの一種だ

手振れというのは、パースのデフォルメを破壊する

動いたとたんに形状が決定してしまうので、世界観として面白くなくなる

なので、僕が作品を作るならば、極力カメラは動かさないようにすると思う

もちろん、見せ方によってはその限りではないが、基本的には、カメラの動きは必要最低限にとどめるべきだ

こういう2D的な動かし方で画面に動きを与えるべきだ

こういうアクロバティックな動きはアクションシーンなどではよいが、見る人に想像の余地を与えない

なので、情報量としては不必要なものが含まれているということになる

このカットについては起こっていることがそもそも3D的なので、3D的カメラワークが正解だろう

手振れも3Dでつけるべきだ

ただ、今回の作品ではそこまでアクションが登場するわけでもない

なので、2D的なカメラワークを中心に作っている