藤田将のホームページ

昔、蔦屋でレンタルして以来、久しぶりに見た

ブルーレイを購入してみた

全体的なストーリーは、にぎやかで、エンタメとしてよくできていると思った

ジブリ作品の中でも、エンタメ要素という点においてはとても分かりやすく楽しめる作品だと思う

クライマックスの飛行船の下りも、特に違和感なく見ていたが、ネットの評価などを見ると、あの展開がいらないという意見も少なからずあった

確かに、思い返してみると、あの展開が急に起こるので、そこに違和感を覚えて、あの展開に対して疑いから入り、結果。いらないという結論になってしまう人もいるのかもしれない

個人的には、キキの自信でもある空を飛ぶという機能を代替する飛行船はこの作品にのクライマックスにうってつけのモチーフだと思う

巨大だし、絵も派手になる

なので、飛行船の展開は必要だとは思うが、そこに転換するのがいきなりすぎた

飛行船が不時着したという布石は中盤に行われていたからよいとして、急に風が吹くというのもしっかりと布石として見せるべきだった気がする

あの風はあの町のあの季節によく吹くようだ

であれば、街にきてキキが飛んでいるとき、その風にあおられて失敗してしまったり、

そのわけを地元の人に聞いて、この季節にこういう風が吹く。というのも布石として説明すべきだった

たしかに。初見で見た時はそこまで気にならなかったが、あの事件が起こる原因２つのうち１つがいきなり出てきた要素なので、とってつけた感はある気がした

と書いていて思ったが、あの風は、渡り鳥と一緒に飛んでいるときの風が布石になっていたのか？

もしそうだとしたら、セリフで説明してくれないとわからないよ、

空を飛ぶトンボ

トンボはキキから見て、憧れの先みたいなキャラだが、そのキャラの好きなものが空を飛ぶことなので、そこに関してはメッセージがあるのだろう

トンボがもし空を飛ぶということに対して無関心な人間だったら、

この作品のストーリーにおける、空を飛ぶというものが、キキとその周辺だけの話になってしまう

キキも、トンボも、クライマックスも、空を飛ぶということを印象的に見せつつ物語が進んでいくので、トンボも空を飛ぶのが好きでないといけない

この作品では、空を飛ぶということが、キキとの関係を表すサインになっている

では、トンボが空を飛ぶのが嫌いな人間だったら？

それはそれで、キキが現実逃避するだけの話みたいになってしまう

空を飛ぶのが嫌いな人間と仲良くするのは、キキが成長していない雰囲気を醸し出してしまうので良くないだろう

先ほど、桐島部活やめるってよを見たので、同じ原作者つながりで何者も見た

面白い話ではあるが、桐島部活やめるってよ程ではなかった

桐島のほうが凄すぎたというのもあるが、個人的に気になった点がいくつかあった

タイトル

この作品に、何者というタイトルは少し安直すぎる気がした

桐島部活やめるってよ。というタイトルを生み出した作家がつけたタイトルとは思えない

この作品は就活生たちが本当の自分に迫る物語だが、それはまさしく、何者かを探す物語だ

つまり、物語のテーマをそのままタイトルにしている

別に悪いわけではないが、少しストレートすぎる気がした

登場人物たちみんな揃いにそろって性格が悪い

登場人物の性格が悪いので、見る人によっては嫌な気持ちになる気がした

個人的には、性格の悪い人間を見ているのは嫌いではないので、この作品も楽しめたが、それとは別に、共感もできないし、現実感もない気がした

性格が悪い人がそろってしまうことを肯定できる設定があると現実感が出たかもしれない

あとは、なぜ登場人物の性格が悪くなったかも、掘り下げると共感できたかもしれない

そのあたりは原作では語られているところなのだろうか？

それとも、あえて掘り下げない感じにしているからだろうか

なんかギクシャクした人たちを見守るだけの作品になってしまっている

もちろんそれも面白かったし、この作品の大きな見どころになっている。

ただ、例えば、デスノートの月のように、警察官の父親に育てられたが故の過度な正義感だとか、

イケメンで頭が良いが故の他人を尊重していない感だとか、

そういうバックボーンがあまり描かれていなかったのが気になった

家がおしゃれ、広い

就活生にしては良い部屋に住みすぎでは？　と思った

2LDKくらいの部屋だ

壁のスイッチから察するに、そうとう古い建物のようだが、それでも2LDKは都内在住の大学生にしては広すぎるだろ。と思ってしまった

一人暮らしを想定しているような設定だったし、

ちょっとそこで、現実感がなくなってしまう気がした

総じて言うと

総じて言うと面白かった

気になる点はあったが、就活生特有の雰囲気はリアルに表現できていたと思う

良い実績は語るくせに、悪い知らせは語ろうとしないところとか、リアルだった気がするし、

そういう、序盤には嫌な奴っぽかった人が最後にはまじめな人間になっているところも面白かった

とても良い映画だった

高校という雰囲気もリアルだったし、構成もユニークだったし、ストーリーも面白かった

桐島は関係ない

この映画において、桐島は全く出てこないし、映画のメッセージとしてはほとんど意味をなしていない

桐島が部活をやめるのはどうでもよく、単なる話のきっかけでしかない

いや、むしろ、意味を成していないことに意味があるのかもしれない

直接的に関係のないことで、ここまでの大ごとになってしまうということが大事なところだ

スクールカーストというものをテーマにしているようだったが、それは宙に浮いたような根拠で形作られる

それを表現したいのであれば、話のきっかけとなる事件はスクールカーストとは関係あってはならない

桐島が部活をやめるというのは多くの人にとってどうでも良いことだし、映画部の人たちなんて、桐島という人間を知らない可能性だってあるくらいだ

そういうどうでも良いきっかけで右往左往する様子を楽しむ映画だ

楽しみ方がほかの映画とは違う感じがした

高校の雰囲気について

どこの高校でもこういう雰囲気なのはわからない

が、高校特有の、なんとなく流れている時間のような雰囲気が強く伝わってきたので、そこは良かった

セリフも、台本に書いてあるセリフを読み上げている雰囲気ではなく、本当に会話しているような、そういう雰囲気がしてよかった

屋上で乱闘するシーン

あのシーンはこの映画でも一番盛り上がるところで、とても良かったが、反面、良くないと思うところもあった

あのシーンは途中から、特殊メイクなどが本格的になり、臨場感のあるゾンビ映画風の映像になるが、あれはおそらく、映画部の生徒の妄想なのだろう

取っ組み合いになった後、乱闘になり、その様子が自分の撮りたいものだと気づいて、無我夢中でカメラを向けた

本当は特殊メイクも血のりもないのに、あたかもそれがあるような映像がその生徒の目には映っていた

ただ、それは単なる妄想であって、実際はそんなことはなかったという小さいオチだ

この見せ方はとても面白かった

そもそもこの映画は構造自体がユニークだが、このシーンの臨場感は別の意味でユニークだった

おそらく、抑え込まれていた人間の頭の中の妄想という、抽象的でカメラに映らないものを映像にしているから面白いのだろう

これが、スクールカースト上位の人間の妄想だと、つまらない

現実と妄想が乖離しているという、スクールカースト下位の映画部部員だからこそできる見せ方だ

そういう点は良いと思ったのだが、ここで当てられている音楽に、吹奏楽部の演奏を入れていたのはちょっと意味が分からなかった

確かに、あの絵で吹奏楽部の音楽はマッチしていた

ただ、あの場面が映画部員の妄想を形にしている場面なのであれば、少なくとも吹奏楽部の音楽ではないのでは？

あそこに吹奏楽部の音楽を充てるという発想は、この映画自体の監督をしている人のものだ

ここがちょっと紛らわしい気がした

映画の中の監督の脳内妄想を見せる絵に、この映画自身の監督の演出意図を合わせてしまっているので、音と絵で伝えたいものが違って見えた

確かにあの場面で吹奏楽部の音を使ったのは演出としては正解だろう

ただ、本当にその展開に沿った音を入れるのであれば、別のものにすべきだ

……とは書いてみたものの、確かに。あの吹奏楽部の音よりもあの場面にマッチした音は無いかもしれない

音楽なしで見せるか、それともあの映画部員が自主制作映画で使ってそうな安い音源にするか、

どちらにせよあの吹奏楽部の音よりは迫力に欠ける

本当にアーティスティックな映画ならば、あの場面で吹奏楽部の音を使うことは無いのだろう

ただ、ユニークではあるが、一応この映画もエンタメ映画だ

あの見せ方は結局正解なのかもしれない

昨日、39度近い熱を出して、その影響で今日も本調子ではない

なので、ゴジラを見た

ゴジラは一大コンテンツではあるが、僕は、シンゴジラと-1.0しか見たことが無かった

初代は70年くらい前の作品だが、シンゴジラなどと同じような構造の映画だった

基本的にはパニック映画のような感じで、それに翻弄される人間模様も絡めつつ映画にしたような感じだ

作品のメッセージについて

初代ゴジラは明らかに、環境破壊、反テクノロジーのようなものが感じられる

それに関しては僕も全く同じことを感じている人間なので、それを上手に設定に組み込んでいることについてはすごいと思った

ゴジラは悪ではなく、反省するべきなのは人間だ

永久凍土の中に含まれていた未知のウイルスが地球温暖化により溶けだして世界を脅かすというような映画も過去にはあったが、それと同じ構造だ

作中では直接的にそれについて説教じみたことを言うわけではなく、その設定段階ですでに説経をしているという作りだ

そうするとなぜだか、映画に説教されている感覚にならないのが不思議だ

そういう映画は究極的な嫌味、皮肉なのかもしれない

説教というのは実際に言葉にして伝えるものだが、皮肉や嫌味は結果的に被るものだ

自らの首を自らで絞める様子を、私情を交えずにカメラを収めるのは説教ではないと人は感じるのだろう

人が私情によって人に干渉するのは説教だが、人の振る舞いの結果が人に干渉するのは因果応報だ

説教と因果応報の違いが、映画を作るうえで大事なのかもしれない

両者ともにメッセージを伝えるという点において変わりはないが、見る人の説教された感は違うものとなるのかもしれない

映像について

だいぶ古い映像というのもあり、CGなどは使われず、破壊のシーンは特撮となっていた

ミニチュアを作り、それを破壊したりしている

そこに、逃げ惑う人々を合成したりしているようだった

今と比べても、カメラがそこまで高機能というわけではないので、黒つぶれしている箇所、白つぶれしている箇所が目立った

ただ、それがむしろ、何があるのかわからない不気味さを醸し出している気がした

銀魂の映画で、暗闇で斬りあっているシーンがあった

そのシーンでは、音のみがよく聞こえるが、暗闇で何が起こっているのかはよくわからない

単に画面の性能が悪かっただけかもしれないが、とにかく。肝心なものを見せずに、音などの一部の要素だけで場面を語ると、見る人に想像の余地が生まれる

初代ゴジラのような画質の悪い映像では、そういう。想像力の補完が良く効いているのでは？　と改めて感じだ

それに関しては、僕は3DCGをあまり好きになれない理由の一つだ

説明しすぎるので、見る人に想像の余地を与えない

抽象的な映像はそれだけ解釈に幅が生まれるので、それを上手につかった映像はレベルの高い映像だと思っている

初代ゴジラに関しては、図らずもという感じだが、それを満たしているので、楽しく見れたような気がした

七人の侍を見た

実は、黒澤明監督の映画を見るのは初めてだ

日本映画史上最高傑作ともいわれている作品なので、期待してみた

感想としては、やはりすごく良い出来で、日本映画最高傑作ともいわれるだけのことはあった

が、たぶん、今まで日本国内で上映された映画をすべて見たらこれ以上の作品もあるのでは、という感じだった

今まで見た映画の中で、良いと思ったのは、その男凶暴につき、ソナチネ、シャイニング、タイタニック、君の名は、という感じだろうか

そのラインナップに七人の侍は十分に加わる。それくらい良かった

が、気分によってはタイタニックも良いし、君の名はも良いし、北野武監督作品も良いし、という感じだ

画面のレイアウトについて

画面のレイアウトに一番感動した

レイアウトというか、コンテの作り方。音も含めた見せ方の面は本当にすごい

その点においては今まで見たどの映画よりもすごい気がしたし、それを７０年も前に映像にしているのは常軌を逸脱するくらいすごい

人質を取って立てこもっている盗人が斬られて倒れるシーン。倒れる瞬間だけ無音になって、しかもスローモーションだ

その見せ方は今となっては無くはない見せ方だが、逆に言えば、７０年もたって通用する見せ方を日本の映画でやっていたことはすごいと思った

現代の映画でやってもすごい演出だと思うのに、やはりそういうところは最高傑作と言えるくらいすごかった

それ以外にも、あのあたりのシーケンスは川の音で人の声がかき消されているような見せ方だった

見知らぬ人々が何かを話している。何を話しているんだろう？　という、観客の疑問を邪魔しないような音の作り方だ

それでいて、しっかりとした表現の一つになっている

この映画は脚本を見せるだけではなく、芸術的な雰囲気をまとった、劇的な見せ方が多くあった

個人的に思うのは、カメラの画面の中に被写体を収めるのではなく、被写体を陳列する。というような考え方で映画を撮るべきだと思っている

これは僕の完全な趣味かもしれないが、キューブリック監督など、個人的に凄みを感じる監督の画面は、画面を3Dではなく2Dとして、図形としてとらえている気がする

そういう見せ方が黒澤明監督の画面にもあった気がした

村の娘が土壇場で若い侍と交わった後、泣き崩れる父の向こうにこれまた泣き崩れる娘の姿が同じ画面に収まっていた

あの画面は図形として美しく配置されていた

今思えば、あの構図では、父さんと娘。結構な距離の差があるだろうからピンボケせずに撮影するのは難しかっただろう

この作品は望遠レンズの使い方が上手だったのかもしれない

70年も前に、夜の暗い場所で、あれだけ広範囲にピントを合わせる望遠レンズなんてあったのだろうか。

なければあの画面にはなっていないからあったんだろうな

やはり、制作費が普通の映画7本分なだけはある

脚本について

脚本についても面白かったが、それに関しては上の中くらいの面白さの脚本だった気がする

活劇物としては優秀で、今の時代に見ても楽しめる時点ですごいものだというのはわかる

キャラクターもわかりやすく、敵と味方の戦いという、シンプルな構図もわかりやすい

エンタメ作品として成功しているし、絵のクオリティも高いので、文句の付け所が無いような脚本だ

ただ、だからこそ、期待を裏切る感じはなかった気がする

画面のレイアウトにあった凄みが、脚本にはなかったので、そこは少し残念だ

とはいえ、凄み＝映画の価値というわけでもない気がするので、これは単なる個人的な趣味なのかもしれない

エンタメ映画としてみるならば最高の脚本ともいえるかもしれない

映像のクオリティについて

映像のクオリティに関しては、あまりこういう映画を見る人間ではないのでそこまで断じたことが言えるわけでもないが、少なくとも、大満足できるクオリティだった

落馬する武士のところなんて、本当に怪我をしていないか心配してしまうくらいの臨場感だ

というか、古い映画にありがちだが、明らかに怪我をしながら撮影してそうなカットがたまにある

白鯨という映画も、水が打ち付ける中ぐちゃぐちゃになりながら撮影していたし、

猿の惑星も。肌が露出しまくった衣装で人の背丈ほどある草むらの中を走るカットがあった。あれはだいぶ、切り傷がついたと思う

七人の侍も、昔ならではの危険な撮影が多くあり、そのために実現した臨場感なのかもしれない

実際、調べてみたが、骨折した人も何人もいるし、背中に矢が刺さった人もいたらしい

今ではそういう場面になると、VFXでやってしまおうというようなことになる

そうするとやはり、画面が寂しくなってしまいがちだ

七人の侍では、危険を顧みず撮影しているからなのか、そういう安っぽさは感じられなかった

一部、刀で斬られる人が作りものっぽかったり、刀の先でつついただけで人が倒れたりというのはあったが……、

ただ、そういて言うとこの作品の臨場感。セットとしての画面のクオリティはとても良かったと思う

ラブシーンについて

先ほど、脚本は上の中くらいと書いたが、ラブシーンの入れ方を考えるとやはり、脚本もすごいポイントがある気がした

この脚本でラブシーンが無かった場合を考えると、それはもうテンプレみたいな作品になってしまう気がした

ただ、そこに性的なテーマを加えることによって、それをこの映画の後半の柱にすることができている

つまり、裏のテーマとして、2人の愛がある

表はアクション活劇で、裏には愛のテーマ。

この２本立ては最高というわけではないが、この脚本を一つの美しいプロポーションにしているという点で、割とテクニカルなことだな、と思った

総じて言うと

総じて言うと、やはりとても良い作品だ

映画の凄みも十分感じられる作品だったし、現代に見ても楽しめる作品になっていた

最も好きな映画の一つともいえる

ただ、この記事でも書いた通り、７０年前でこれはすごい。というような見方でこの映画を見た結果、最高傑作という答えが出るというのもまた事実だ

つまり、それは映画の凄さではなく、映画の時代背景を踏まえた凄さであって、映画の凄さではない

単に映画を語りたいだけならばそういう見方でも良いのかもしれないが、それは相対的に映画を見た評価であって、僕のように。映画監督になりたい人が分析するのであれば、絶対的に映画を見るべきだと思った

そして、絶対的にこの映画を見るならば、最高傑作ではない気がする

この作品が日本映画の歴史に残るレベルの作品だという事実を踏まえたうえで評価するのであれば、この映画は間違いなく日本映画の最高傑作だろうが、個人的には、映画そのものの出来としては、断じて最高傑作だと言える感じでもない

とはいえ、そうであってもこの映画は群を抜いて良い映画だ

今後、ほかの黒澤明監督の作品も収集したい

以前見たことあったが、今回ブルーレイを買い、改めて見てみた。

備忘録として記事を書く

環境破壊に対するメッセージが強く出ているが、それを美しく物語にできているので、説教にはなっていない

環境破壊というのは、人間とオームや腐海との関係だけであって、そこからくる世界観の上で物語を進めることで、このような作品になるのかもしれない

展開をつなげていくうえで必要となるキャラクターの選択はこの、世界観にのっとって決まっていく

最初から一つの柱として、人間と自然というテーマがあるので、一貫した物語になっている

オーディオコメンタリーも見た

細かい点で、ものすごく参考になった。

その中でも一つ、改めて思ったことだが、

やはり、宮崎駿の作品はなんとなくその構成にパターンがあるような気がした

オームが押し寄せる展開は未来少年コナンの津波だし、終盤に人々が走りまわるのは他の宮崎アニメにありがちな展開だし、

メカ関係が終盤に壊れるのもありがちだ

……というようなことをオーディオコメンタリーで聞いた

確かにそうだ

主人公はたいてい、少年少女、それも思春期前になっているし、

古代兵器や巨大な飛行艇などもよく出てくる

というか、これに関しては僕も、自主制作と同じ展開を今考えている物語でやっているので、なんだかそれに関して、自信がついた

「クレヨンしんちゃん 嵐を呼ぶアッパレ！戦国大合戦」を見た

しんちゃんの映画の中ではおそらくとても人気のある一作で、僕も、子供のころに見て記憶に残っていたので、この度改めてDVDを買って見てみた

この映画は90分ほどの作品だが、体感としてはもっと短いようにも思えた

しんちゃんがタイムスリップし、野原一家がタイムスリップし、いろいろ頑張って戻ってくる

という、物語を成立させるうえで最小構成のような展開で構成されている気がする

あまり話を膨らませず、淡々と展開を重ねて構成されている気がしたので、そこまで長いと感じなかったのかもしれない

春日部防衛隊っぽい子供たちとのくだり以外に、目立った日常展開がなかったような気がする

それ以外は、又兵衛の心中だったり、当時の情勢だったり、そういうものを説明するという明確な目的がある展開のみだった

なので、この作品は比較的、無駄のない展開でぎゅうぎゅうに詰まったストーリーになっている

例えば君の名はだったら、瀧くんと三葉がイチャイチャする様子が序盤にあるが、あれはあの雰囲気を伝えられればそれでよいので、具体的にこれをしないと物語が進まない。というような仕掛けではなかった

ただ、このしんちゃんの映画に関しては、これを解禁して、次にこれを解禁して、というような仕掛けが連続し、数珠繋がりにクライマックスまで行ったような印象だ

だから、割とぎゅうぎゅうに詰まった印象だったのかもしれない

エンディングについて

エンディングは二中のファンタジー体育を休んだ女の子篇だ

もともとノスタルジーな雰囲気の曲だが、そのノスタルジーを加速させるような、BG素材のみでのエンディングになっていた

定かではないが、この曲の雰囲気を理解してこういう見せ方にしたのかもしれない

もしそうなのであれば、とてもセンスがあると感じた

展開のメモ

しんちゃんが夢を見る

しんちゃんがタイムスリップ

しんちゃんが戦国時代でいろいろ

そのころ、ひろしとみさえは心配し、いろいろ調べたりしてタイムスリップ

ひろしとみさえの話もあり、戦略結婚は断ることに、ただ、その影響で戦が始まる

野原一家の活躍などもあり、戦は終わる

最後、又兵衛が殺される

野原一家は元の時代に帰る

家なき子を見た

テレビドラマをおそらく見たことがなかったので見てみた

同情するなら金をくれ！　のセリフを知っていたという理由でこのドラマを見たのだが、面白かった

そもそも僕はこういう闇が深い系の物語が好きなので、やはり楽しめた

あとは、ドラマということもあり、人間が演じている。

惡の華を見た時もそうだったが、リアルな絵柄でドロドロした物をやると、こっちまでハラハラするような居心地の悪さを伝えることができる

やはり没入感はデフォルメされたアニメにはないものがあるので、そういうポテンシャルをフルに生かすことができるこのジャンルなので面白いのだなと思った

ストーリー的にも面白かった

かなりご都合主義なところはありつつも、人間が騙しあい、汚い部分を隠しながら戦っている様子が良かった

一番良い人なのはアウトローな医者

この物語で一番良い人は終盤に海外に行ってしまったアウトローな医者だと思う

猿の惑星で言うところの、博士のような立ち位置だ

基本的には悪役のような感じで描かれるが、彼の言っていることが個人的には一番正しい気がする

そして、それを言うに足りる能力もあるし、自分の力を使って有言実行もする

世界に対して自分の信じる正義をただ淡々と実行しているという点で、あのアウトローな医者が一番正しい人間な気がした

すず以外の悪い人間

あとは、悪い人間に関しては、ほとんどの人間が仕方がないことだと思った

このドラマの登場人物は過去に何かしらの悪いことが起こって、それによって変わってしまった。周りに対して悪事を働くようになってしまったという人間ばかりだ

そういう人間は善人ではないが、悪人でもない気がする

悪人というのは結果としてあるだけであり、その人がそうなりたくてなっているということでもないので、皆、普通の醜い人間だ

主人公のすずについて

対して、主人公のすずは悪人ではない気がした。が悪人に見えなかったのはなぜだろうか

それは、自分が受けた痛みを他人に向けることをしないからだ

誰かから受けた痛みを別の誰かに向けるのは醜悪な人間のすることだ

ただ、すずは違う。誰かから受けた痛みはその誰かに向けている

すずにとっての悪事は無差別な八つ当たりではなく、明確に仕返しとして描かれている

なので、すずが行った行動には根拠が感じられ、結果としてすずというキャラクターは善人のような印象になったのだろう

すべての元凶はすずの母親

あと、この物語のすべての元凶はやはり、母親にある気がしてならない

脚本のメッセージを素直に受け入れるならばの話だが、母親が変にすずと父との関係を隠さなければこうはならなかった

そもそもすずはいい子なので、いじめられなければいじめない人だ

父親を変えてしまった絵の評論家がきっかけなのは言うまでもないが、その評論家くらいの悪人はこの物語の世界にはあふれているようだった

なので、その評論家が生んだ悲しみだけであれば、ここまでの悲劇にはならなかった

ただ、その後、母が父親に関してすずに隠し事をしたまでにここまでの話の広がりようになってしまった

結果、著名な芸術評論家も亡くなり、大企業の女社長も、その跡取りも亡くなり、犬も一匹死に、すずも少年院に入り、自身も死んでしまった。

無自覚とはいえ無神経ではあるこの母が個人的には一番の元凶な気がする

悪人ではなく元凶なのがまた悩ましいところではあるが、少なくとも一番被害を拡大させたのはあの母親だと思う

展開が読めてしまう

あと、脚本的に感じたのは、展開がやはりワンパターンすぎるところだ

階段から３回くらい人が落ちてるし、犬のリュウも何回か怪我してる

社長令嬢に関するお見合い話も２回くらいあった気がする。ちょっと前に見たことあるような展開が結構あった気がした

あとは、カメラワークも劇的ではなかった

アニメに慣れているからかもしれないが、お見合い話に孤児たちで乗り込むときのカメラアングルは完全にドリフのそれだった

なのでどこかコメディっぽい雰囲気が漂っていて、なんだか惜しい気がした

そもそもこれだけ事件が起きても警察に通報することをしないのはリアリティにかける気がした

それで話が面白くなっているので良いが、ただ、いかに現実的に、話を面白くするかというのが脚本家の見せどころなのでは？　とも思った

まとめ

昔のドラマはこういう雰囲気が多いのかはわからない。この作品はとてもおもしろい作品だったので、家なき子2や、ほかの名作ドラマも今後見てみようかと思う

オープニングで世界観に引き込む感じがすごく良かった

音楽の良さもあるかもしれないが、ノスタルジーな雰囲気がよく伝わってきた

小鳥のさえずりが環境音として入っていた点が良いように働いている気がする

あの音があることで、そこが静かな場所なんだと理解できる

そのあとの全体的な展開も、エンタメ感が強くて良かった

この作品は、エンタメ展開に力が入れられている気がする

宮崎監督がまだ若手で、かつ、シリーズ物の作品というのもあるのかもしれないが、ほかのジブリ作品にはない切り口のハラハラ展開が用意されているような感じだった

コメディっぽい雰囲気も持っているので、ジブリ作品とはまた一つ違った宮崎監督の世界観が見れる

とはいえ、しっかりと作品のメッセージは込められている

城というロケーション、映画の中では語られない設定も凝っているようで、そういうところはやはり宮崎駿っぽいものを感じた

この作品は宮崎監督作品の中でも結構好きな部類かもしれない

僕は雰囲気に浸るためにアニメを見るタイプの人間なので、作品に必ずしも高度なメッセージが入っている必要もないとも思っている

その点、このカリオストロの城は、世界観、映像の雰囲気がとてもよかった

千と千尋の神隠しを見た

確かこの映画はまだ一回しか見たことがなかった

この度、ブルーレイディスクを購入したので、今後は定期的に見たいと思う

この映画はジブリの中でも特に評判になっている作品だが、その理由の一つに、現実世界とジブリワールドとが陸続きになっている点がある気がした

これは、異世界転生物語が流行っているのと同じメカニズムだと思うが、

現実世界と魅力的な世界観が陸続きになっているというのは、見る人が作品に没入するのを容易にする

ジブリは特に、世界観が魅力的なコンテンツでもあるので、そういう世界に浸りやすいという点で、この作品は話題になったのでは？

と感じた

個人的には、この作品はジブリの中ではそこまで好きな方でもない

世界観は特異で、もちろん絵もきれいなので、好きな作品ではあるが、もののけ姫のような凄みは少ないし、火垂るの墓のようなメッセージも弱いと思うので、とても好きというわけではない

世界観の魅力度で言うならばこの作品はジブリの中でもトップクラスに良いと思うが、それ以外で言うとやはり惜しいところもあった

例えばクライマックスの盛り上がりなどは、盛り上がったというよりも盛り上げたと言った方が近いような感じになっているのが気になった

最後、豚を何頭か並べて、お父さんとお母さんを当ててみろという展開があったが、あの展開は本当に必要なのか疑問に思った

わかりやすいクライマックスなので、音楽もそういう感じのものが使われていたが、あの展開は映画を締まりよく終えるためだけの展開なのではと感じてしまう

あの場で豚の中から選ばせるということをしないと元の世界に帰れないという設定があるので、あの展開が必要だったのかもしれないが、それでも、あの中に両親はいないのだから、わざわざあの場に行ってあの展開をする意味もよくわからない

もしくは、あの行動に何か宮崎監督の伝えたいことがあったのだろうか

であればよいが、それにしても。あのシーンのクライマックス感はなんだか中途半端な気がした

クライマックスっぽくするならもっとクライマックスっぽくしても良いと思うし、個人的にはあの展開をクライマックスにするのは厳しい気がしたので、むしろもっとあっさりした感じに見せるのも良い気がした

というよりも、この作品は盛り上がりポイントが多すぎるので、クライマックスっぽい描写がクライマックスっぽい印象になっていない

聲の形みたいな感じだ。凝った演出を序盤からしてしまっているのでクライマックスが映えない

千と千尋の神隠しはエンタメ作品として優秀で、見所がいくつもある

そういう作り方は終わった感を出すのが難しいのかもしれない

だとしたら、むしろ終わり方はそっけない感じにしてみたり。そういう作戦のもと終盤の展開を考えてみる必要がある気もした

あとは、終盤のところで言うと、本当に細かいところだが、トンネルから出ていくカットで、千尋たちはトンネルに入ってきたカットと同じ向きに歩いて行ったが、あれは逆のほうが良かった気がする

入ったというのと出ていったというのは逆の方向に進むという見せ方をした方が、行って帰ってきた感が出るので良い気がした

とはいえ、やはりジブリ作品らしく、とても良い作品だった

ほかのジブリ作品のレベルがけた違いだというのもあって些細なところでも考えてしまうが、アニメーション映画の出来としては最高に近い出来だと感じる

「空の青さを知る人よ」を見ました

天気を含めたストーリー

アニメではよく、主人公の心情に合わせて天気が変わるが、僕はあのような演出はあまり好きではない

そして、この「空の青さを知る人よ」においては一部そういう演出はあったが、この作品の場合は天気の変化がストーリーに深く切り込んでいたのでとてもよかった

登場人物の心情の沈み込みが雨として演出されているので、とってつけたような雨ではなく、ちゃんと物語に干渉してくる雨になっている

しかも、その雨が災難を呼び、終盤の山場になっていく

そういう展開を呼ぶための舞台装置として雨を降らせたのは良かったと思う

さらに、雨は上がるものだ

そういう、感情が沈み込んで上がっていく。というのを天気によって表現しているこの作品の終盤は面白いと思った

絵的にも、雨上がりの秩父を飛んでいく展開は爽やかでよい感じだった

天気と感情がリンクするのはあまり好きではないが、ここまでしっかり物語に干渉してくると、良いものになるんだな、と思った

SF設定について

この作品はサイエンスではないが、若干のSF作品のような嘘もある

その嘘を最初に見せる見せ方をもう少し工夫すべきだと思った

見えない壁に阻まれている感じはこの作品の中でも大きな嘘の一つだが、その嘘が最初にあっけなく出すぎていたので、そこが微妙な感じだ

もっと、キャラクターが驚く、戸惑う。というような、見る人が感じるであろうリアクションを登場人物がとるようにした方が、脚本に踊らされている感が減ってよい気がする

終盤の空を飛んでいるところについて

終盤の空を飛ぶ展開だが、あれは自分の中では賛否両論だった

この映画のタイトルにも含まれる”空”を近くに感じられるという点であの演出は良かったが、果たして空を飛べるまでする必要があるのかは少し疑問だった

空を飛べるので土砂崩れの中から人を救い出せたという、展開上の都合もあるかもしれないが、それだって、おじさんにはない若さがそれを可能にした。という理屈でも通る気がする。

あの演出に関してほかに何か意図があるのかもしれないが、少なくとも僕が思った中では、あの場面はあそこまで空を飛ぶ必要がなかった気がする。

全力疾走しておじさんを置いてけぼりにするような展開でも良かった気がする

あそこまで割と現実的な話に収まっていたのに、終盤だけ飛躍するのはなんだかもったいない気がした

まとめ

この映画は面白かった

音楽系の作品かと思わせといて、そこに重点を置いていない

それは中途半端な気がしつつも、実際の作品はそれ以外に見るべきところがある気がしたので楽しめた

山間の町の雰囲気を感じられる背景、演出も良かった気がする

エンタメ作品としてよくまとまっていて、ちゃんと需要をついている感じがする。安定して面白い作品だった

楽園追放 -Expelled from Paradise-　を見た

若干の2D背景が使われていたが、ベースは3DCGで、１０年前とは思えないくらいレベルが高かった

特に終盤のバトルシーンはとてもかっこよかった

3DCGのロボバトルシーンではトップレベルに良かったかもしれない

やはりカメラを動かしまくる映像は3Dならではだなと思ったし、煙のタメの感じもカッコよくできていた

バトルシーンにおいて、煙と爆発は見せ場の一つなのだなと改めて思った

という感じに基本的には良かった作品だが、空気感が足りなかったり、そういう点は3DCGの課題でもあるのかもしれない

この作品についてはもう少し撮影処理をした方が良かったと思う

なんだか、レンダリング動画をそのまま背景に合成しましたみたいな感じだ

2D背景に2Dキャラを合成するならそれでも良いのだが、今回のように2D風3Dに3Dキャラを合成するのであれば、それらを馴染ませるために多少大目にエフェクトを追加すべきだと思った

スペキュラーやAOなど、様々なパスで書き出し、それをAeで手間暇かけて色調整するというのが僕の思う今のところの最適解だ

カメラは動かさなくても良い

カメラを動かした方が魅力的に映る場面であればゴリゴリ動かすべきだが、そうでない限りは動かすべきではないので、動かさなくても良い

そういったところは今回の楽園追放はなかなか良かった気がする

無駄に動かしてしまっている場面もあったが、無意味に動かしている感じはなかったのでそこは個人的に良いと思った

あとは、カメラをもうちょっと望遠にしたり、被写体の位置で嘘をついたりする必要もある気がした

個人的には、被写体の位置で嘘を積極的につくべきだと思っている

でないと、見る人の深層意識がそれを3DCGだと判断してしまう

今回の作品ではどの程度それをやっているのかはよくわからなかったが、少なくとも、このカットは地平線を無理にでも映した方が絵になるのにな、と思うタイミングがあった

レイアウトの段階から3Dでやっているのだろうか、画面のレイアウトが3Dベースな気がした

モデルも贅沢に作っていたし、キャラモデルの質も高かった

シェーディングだけ、単純なセルルックCGっぽい感じなのが惜しいところだったが、砂漠という世界観で感じられるはっきりとした影の雰囲気を演出しているともとれるので、そこは良い面もあったかもしれない

ただ、やはり、撮影処理をもう少ししたらさらに良くなる気がした

2度目の中二恋を見た

前回見たのはもうずいぶん前で、確か、アニオタになりたてのころだった気がする

そのころからしばらく経ち、僕の見る目も変わった気がしたので改めて見てみた

やはり面白いが、僕は重度の中二病というわけでもないので、共感はしなかった

ただ、終盤の、中二病が六花にとっての何だったのか、そしてそれに決着をつけるという展開は良かった

中二病というのはこの物語では心の闇の結果としてあって、序盤はそれを用いたラブコメとして話が進む

ただ、最後にはそれらの答え合わせのように、中二病自体について語られる

この構成は12話1クールのテレビ放送アニメの一つのテンプレートな気がした

何か、主人公たちの闇や暗い過去がある。それは誰しもに起こりうる欠点として描かれ、ある種の自虐ネタっぽい感じを醸し出しつつ、恋物語が進行する

ただ、それだけだと終始日常アニメで終わってしまうので、その暗い過去、闇の源泉に触れるような展開をしてクライマックスに持っていく。

宇宙より遠い場所も、個性的な女の子がいて、それに準ずる女の子もいて、そういった人たちの個性的な性格からくる日常展開を楽しみつつ、終盤にその個性の源と対峙するお話だ

日常展開というくくりを外せば、さらに多くの物語に当てはまる気がする

Sonny Boyも、angel beats!もそんな感じだった

こじつけに近くはなるが、そういうアニメが結構多い気がする

これはアニメづくりの一つのテンプレなのでは？

必ずしもそういう作り方をする必要があるわけではないが、そういう作り方でアニメシリーズが構成されることがあるということか

たぶんこの辺はヒーローズジャーニー理論とつながってくるのだと思う

シティーハンター１期のエンディングが良い

今、シティーハンターを見ていて中盤くらいまで来た

このアニメのエンディングがは言わずとも知れた、Get Wildで、その曲自体は以前からもちろん知っていた

そして本編を見るにあたり、エンディングの映像も見たが、それがとてもよかった

最初、抽象的な図形、丸、流れる線のようなものから始まる

そして、それが徐々に、街の灯りと流れるヘッドライトなのだとわかる

街の灯りは実際のところ、灯りなので白いはずだ

ただ、それを丸だったり、流れる図形だったり、そういうので表現している

キャラクターの顔に点滅する街の灯りと、そこにオーバーレイする図形

この２つのモチーフは夜の街を走る車に映るその景色とキャラの顔を記号化している

このEDは記号化の最たるものだ

それは、僕にとってのアニメが好きな理由の最たるもので、そういうものを純度高く含んでいるこのEDは今まで見たEDの中でもトップレベルにかっこいいものな気がした

サビの部分、地面に何かが落ちるのを最初、白い球体が落ちてめり込むように描かれる

それが徐々に消えていき、光る蝶だということがあらわになる

今、文字で書いたことをそのまま映像にしたような映像だ

というのも、ただ映像にしたのではなく、文字で書いた情報量を保ちながら、映像化したようなものだ

3DCGなんかでこのシチュエーションを表現しようとすると、どうしても、アスファルトの凸凹や、蝶のディテール、そういう情報量が増えてしまう

ただ、シティーハンターのエンディングはもはや、文字で書いたような情報量のまま映像化することに成功している

これは一つのキーワードかもしれない

文字で書いたくらいの抽象度合いを保ったまま、映像化することに成功している

セル画時代にはそういうものがあふれていた。デジタル作画の時代になって多少情報量が増えつつも、まだデフォルメが生きている

最近は考えなしに線を増やして、むしろアニメの持つ抽象性を損なう画面が増えてしまっているようなのでそこは悲しい

北野監督の作品、キッズリターンを見た

ストーリー的にはとても面白かった

主人公が若者で、しかも複数人いる

それぞれの人生をたどりつつ、成功している人とそうでない人、成功しようとしている人。様々な形の人生を見せている

北野監督はどういう意図でこの話を考えるに至ったのだろうか

ただ若者の人生を追っている中で起こる出来事を映画にしているような気がした

それだけの映画だが、そのリアリティ、具体的な描写が見ていて楽しい

それでいて北野武監督らしい画面のレイアウト、舞台背景がある

２０００年あたりの何とも言えない冷たい空気が若者の将来に対する不安を物語っているようだった

個人的な趣味だが、僕は若者が夢を追う姿を取り上げた作品が好きだ

その点、このキッズリターンに感動するのは当たり前のことなのかもしれない

北野監督の作品だったら、その男凶暴につき、と、ソナチネが今までのお気に入りだったが、それにこの作品も加わる気がした

久しぶりに劇場で映画を見たが、とても良かった

最初の印象としては、さらさらした印象だった

１時間という長さもあり、コンパクトにまとめられつつ、無駄な展開がないようで、そういう点からさらさらした印象になったのだと思う

一瞬、平行世界ものなのかなと思ったが違う。もしもの話をみせるという構成も良かった

いろいろ調べてみたが、細かなところにたくさんのこだわりがある作品のようだ

個人的には、創作している人に見てほしい。というようなネットの感想は少し違う気がした

確かに、作者自身の創作に対する思いが含まれているようではあったが、それをカモフラージュするのが上手すぎて、もはやふつうの物語としても楽しめる出来だった

なのでこの作品は、作者自身のメッセージと、それを知らない人たちにも見せることができる大衆性、芸術における２つの側面が両方とも成立している作品なのではないだろうか

その点、この作品はとても良い作品だと感じた